Solo en los últimos años de su vida logró conocer la tranquilidad y pudo disfrutar en parte de los beneficios de su obra. Cervantes tuvo y sigue teniendo una enorme repercusión en la literatura hispanoamericana.

Aspectos relevantes sobra la vida de Miguel de Cervantes

Miguel de Cervantes Saavedra nació en Alcalá de Henares, provincia de Madrid, en el año 1547. No se conoce mucho acerca de su infancia y educación. Según algunos, pudo haber estudiado con los jesuitas en Córdoba y Sevilla, e ingresar después en la Universidad de Salamanca.

Sin embargo, las opiniones más fidedignas señalan que Cervantes no cursó estudios universitarios, sino que fue autodidacta. Las experiencias vitales de Cervantes y su humanismo hacen de él un hombre tolerante que superó los límites de su época. Parece ser que fue discípulo de López de Hoyos, que en aquel entonces enseñaba humanidades en Madrid, y fue quien recomendó a Cervantes como camarero al prelado Acquaviva.

A finales del año 1569, se encontraba en Roma con el mencionado prelado, recorrió las principales ciudades de la península Itálica. Sin embargo, cambia pronto de oficio y se convierte en soldado del rey Felipe II.

Para 1569 ya formaba parte de la compañía del capitán Diego de Urbina. El 7 de octubre de 1571, tuvo lugar la batalla de Lepanto, en la que Cervantes fue herido. Sus heridas de guerra, así como su participación en la batalla, siempre le enorgullecieron.

Regreso a España

A finales del año 1572, restablecido de sus heridas, se incorpora al tercio de don Lope de Figueroa, y tres años después, don Juan de Austria le concede el permiso solicitado para regresar a España; pero al regresar cae en manos, junto a su hermano y otros compañeros, del griego Dali Mami, que se apoderó de la embarcación española y la condujo a Argel, donde se inició el período de cautividad con varios intentos de huida.

La familia de Cervantes consiguió reunir la suma necesaria para liberarle, pero Dali Mami decidió liberar a su hermano Rodrigo y prolongar el cautiverio de Miguel. Finalmente, tras diversos intentos frustrados de fuga, los trinitarios (religiosos de la orden de la Trinidad, fundada en 1198, cuyo objetivo primordial era rescatar a los cautivos que se encontraban en poder de los turcos) consiguieron liberar al escritor a cambio de 500 escudos.

Durante los cinco años que duró su cautiverio, Cervantes entró en contacto con otra cultura, y conoció las costumbres musulmanas y la tolerancia del “enemigo de la fe” a la hora de celebrar y respetar otros cultos.

Matrimonio de Miguel de Cervantes y sonetos

En el año 1584, contrajo matrimonio con Catalina de Salazar, a la que no menciona en sus obras. Dado que sus necesidades económicas se hacían cada vez más apremiantes, Cervantes se dedicó a escribir sonetos dedicados a hombres notables de la época y diversas comedias, hasta que consiguió el cargo de comisario de suministros de las galeras del rey en Cádiz, recibiendo por ello un sueldo humilde.

Enfermedad y muerte de Miguel de Cervantes

Cervantes murió a la edad de los 68 años, en 1616, padecía diabetes. Antes de su muerte, había manifestado su deseo de ser enterrado en la iglesia del convento de las Trinitarias Descalzas. Esto porque cuando estuvo preso, la congregación ayudó a que su hermano y él fueran liberados. Posteriormente, los restos fueron trasladados. Sin embargo, se desconoce el lugar exacto del lugar.

El Quijote de Miguel de Cervantes

El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha es la obra cumbre de Miguel de Cervantes, publicada en dos partes, una en 1605 y la otra en 1615. En el prólogo de la primera parte, Cervantes hace una declaración de intenciones, afirmando que su obra “es una invectiva contra los libros de caballerías” y que su finalidad es “poner en aborrecimiento de los hombres las fingidas y disparatadas historias” de ese género novelesco.

En realidad, Cervantes fue mucho más allá de su expresa intención originaria, llegando a crear una obra sin precedentes. Con unos valores humanos de alcance universal y una voluntad crítica que trasciende la simple ridiculización de un género literario. Que ya por entonces se encontraba en plena fase de decadencia.

En sus meditaciones del Quijote, Ortega y Gasset afirmaban que “no existe libro alguno cuyo poder de alusiones simbólicas al sentido universal de la vida sea tan grande”. Y, en efecto, las escenas, los diálogos, las situaciones y los personajes creados por Cervantes constituyen un retrato asombrosamente representativo de la verdad humana.

El idealismo de don Quijote y el materialismo práctico de Sancho encarnan las dos posturas vitales básicas del ser humano. Es un dualismo en el que ya se habían basado otras creaciones literarias anteriores. Hasta entonces antagónicas e irreductibles, se influyen mutuamente y se complementan.

Obras de Miguel de Cervantes (1547 – 1616)

Novela pastoril (1585)

• La Galatea.

Novela (1605 y 1615):

• El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha.

Novelas ejemplares (1613)

• La Gitanilla.
• El amante liberal.
• La española inglesa.
• El licenciado Vidriera.
• La fuerza de la sangre.
• El celoso extremeño.
• La ilustre fregona.
• Las dos doncellas.
• Rinconete y Cortadillo.
• La señora Cornelia.
• El casamiento engañoso.
• El coloquio de los perros.
• Poema en tercetos (1614):
• Viaje del Parnaso.

Comedias (1615)

• El gallardo español.
• La casa de los celos.
• Los baños de Argel.
• El rufián dichoso.
• La gran sultana doña Catalina de Oviedo.
• El laberinto de amor.
• La entretenida.
• Pedro de Urdemalas.
• Entremeses (1615)
• El juez de los divorcios.
• El rufián viudo llamado Trampagos.
• La elección de los alcaldes de Daganzo.
• La guarda cuidadosa.
• El vizcaíno fingido.
• El retablo de las maravillas.
• La cueva de Salamanca.
• El viejo celoso.

No incluidas en el volumen

• El trato de Argel.
• El cerco de Numancia.

Novela bizantina (1617, póstuma):

• Los trabajos de Persiles y Sigismunda.

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Las banderas de este concepto son la lucha, la mentira, el sueño y los hechos humanos. El uso más común en este tipo de literatura es: la elipsis, metáfora, perífrasis, antítesis, adjetivación, hipérbaton y alusiones mitológicas.

Temas comunes de la literatura del Barroco

En la literatura del Barroco, lo común solía ser los constantes cambios y la vida. Asimismo, se relacionaba con el dolor, el sufrimiento y lo fugaz que suele ser el ser humano. La existencia y el hombre en su repercusión de las cosas y los demás seres se convierten en el epicentro de las obras, fueron ideadas por los autores más representativos que existen.

En parte se considera como un estilo ostentoso, abusivo y sobrecargado en la utilización de los recursos literarios. Como por ejemplo, podemos mencionar: la antítesis o la metáfora. El movimiento surge en un periodo de muchas tensiones tanto económicas, existenciales, políticas y sociales. La situación de anarquía arrastró a estos autores a hablar acerca de la peste, la desigualdad, las miserias, entre otros.

Esto significa, que no se alcanzaron otras condiciones o entornos para poder lograr esta corriente literaria. Por ello, la temática que adoptaron los escritores fue el epicentro de diferentes obras. Así como las bases fuertes para permitir la argumentación de los movimientos barrocos.

Origen de la literatura del Barroco

Las principales expresiones escritas basadas en elementos literarios, se consideraron netamente barrocas. Las cuales, fueron ejecutadas en Italia, Francia e Inglaterra. Así que, seguidamente mencionamos algunas de estas:

Inglaterra

A finales del siglo XVI se apreciaba en la literatura inglesa, con una notable demostración, de lo que al tiempo sería la literatura del Barroco.

John Lyly fue considerado el primer y principal exponente de gran relevancia en las tierras anglosajonas. Su obra inicia en 1578, bajo el nombre de “Euphues, the Anatomy of Wit». Lo cual, se acopló a la perfección con las características barrocas.

En la mencionada obra, Lyly empleó términos que llamaban la atención de forma exagerada. Asimismo, se apreciaba un descomunal esteticismo, que estaba bien elaborado y sumamente cargado de una tendencia artificial y grotesca. Basándose en esa obra en particular, se dio a conocer lo que sería el Eufuismo.

Francia

En el caso de este país, sucedió a mediados del siglo XVI, y parte del siguiente periodo. Estos se caracterizaban por lo refinado y los buenos modales. Lo cual, se manifestaba de manera exagerada.

El comportamiento se derivaba de las repuestas a ciertas vulgaridades que eran expresadas por la sociedad. Específicamente, en los tiempos de Enrique IV y la corte. Dicho movimiento se conocía bajo el nombre de Preciosismo.

En todos los ámbitos de esta conducta social, se apostaba a la elegancia. En Francia se tuvo como exponente principal a Claude Favre, fue el encargado de publicar en el año 1647 una obra que fue muy reconocida. Esta se denominaba “Remarques sur la langue française, utiles à ceux qui veulent bien parler et bien écrire”. El autor resaltó lo necesario que es el buen uso de los vocablos, sobre todo en la lengua francesa.

Italia

Con relación a esta tendencia, era similar al modelo inglés. Con el escritor napolitano Giovanni Battista Marini, conocido por tener una inmensa producción literaria. Se encargó de proporcionar las bases del Barroco en la península itálica. Este famoso estilo estaba repleto de hipérbole, antítesis, metáforas. La cual se llamaba marinismo. Se caracterizaba por manejar sutilmente las formas de la literatura exageradas y desmesuradas.

Características importantes

A continuación, una recopilación de las más resaltantes características que posee la literatura del Barroco.

Se origina de la crisis

Este aspecto era muy común en el transcurrir de la historia del hombre. Debido a que, cada corriente del pensamiento y cada tendencia engendraban otro tipo de manifestaciones. En este sentido, el Barroco y el Renacimiento no podían quedar absueltos de esta realidad. Por ello, los nexos entre ambos son complejos y muy amplios.

Después de la fractura y el desgaste de la estructura del Renacimiento, surgen distintas crisis. Las cuales, se consideraron como propuestas sobrecargadas y estilizadas, que posteriormente se les conocería como barrocas. Sin embargo, existía una necesidad de expansión y eran satisfechas por medio de nuevos caminos. Estos rumbos finalmente traían consigo tendencias completamente modernas.

Su nombre se convirtió en un término despectivo

La denominación “Barroco” fue adherida en la época del Romanticismo. En ese momento menguaban las manifestaciones en donde la estética era propia del movimiento. Etimológicamente, este término proviene del vocablo de origen portugués barroco, que quiere decir, la perla deforme o irregular.

Los que utilizaron esta palabra, lo hacían para referirse a lo grotescas que eran esas manifestaciones. Ya que tenían razones de sobra para indicar que el movimiento era algo exagerado. No obstante, el uso de esta retórica de forma constante permitió unos recursos más refinados.

Movimiento literario ideológico

La escritura fue manejada de forma exagerada, sobre todo en lo que respecta a los recursos formales. Por lo tanto, resulta difícil apreciar la carga ideológica de la literatura barroca. Las obras literarias, en diferentes escenarios, se caracterizaban por tener conceptos religiosos muy marcados.

Asimismo, existe un apego en torno a la Contrarreforma y al soporte de la maquinaria devocional de esos tiempos.

Enaltece lo renacentista, enfocándose en la pesadumbre

Los temas propios del Renacimiento permanecen presentes. En estos tiempos, Europa se sumergía en una profunda crisis. Por ello, se dejaban ver por las calles lo peor que poseía el género humano. Como por ejemplo, las pestes, la desidia, la mendicidad y el hambre. Estas realidades fueron punto focal para inspirarse los mejores escritores de esos tiempos.

Tal fue esa influencia, que la mayoría de los autores utilizaron esos conceptos para exponer el punto más débil de la humanidad. Asimismo, el desgano se hacía sentir en la mayoría de todas estas obras. En donde la vida se consideraba como una completa mentira.

La realidad estaba marcada de un tono gris, la tristeza se apoderaba, mientras que las élites derrochaban un brillo superficial y falso.

La fe y la espiritualidad

Existe una marcada tendencia en lo que se refiere a la asistencia de la Iglesia católica. Debido a la reforma de las protestas que inició Calvino y Lutero. De igual forma, surgió la necesidad de aspectos espirituales en las distintas producciones literarias.

La mayoría de las veces, la influencia de la iglesia era notable en las temáticas. Ya que en esos instantes de crisis, se enfocaba en transmitir tranquilidad y paz, incentivando la fe. Los escritores, como seres humanos que son, siempre procuraban la supervivencia.

Se considera algo renovador

Lo Barroco viene cargado siempre de innovaciones, en lo que a técnicas y modos se refieren. Asimismo, se ve masificado y reflejado por toda Europa, siempre de la mano de la Contrarreforma. De manera particular, en el territorio español se siente un crecimiento amplio. Esto con respecto al resto de los países que forman parte de Europa.

Los escritores de España fueron los que absorbieron las manifestaciones literarias de los países colindantes. Esas españolizaciones o adecuaciones lingüísticas fueron las que dieron paso a las estrofas de culturas modernas. El soneto fue usado adecuadamente al igual que el terceto, la redondilla y la cuarteta.

Como jamás había sucedido en las culturas españolas, se incrementó desaforadamente el uso de términos que no eran usados por el común de las personas. Las mismas parten del clasicismo renacentista, donde surgió a renovación por medio de recursos retóricos.

Elimina la estabilidad del Renacimiento

El Renacimiento era reconocido por la serenidad y la calma en las propuestas literarias. En donde todo se dirigía hacia el conflicto de lo formal y lo estético. Estas características eran más que evidentes por todo el territorio de Europa.

En cada país tenían un tipo de desarrollo diferente. Los cuales, se ajustaban a cada contexto de la producción.

Abuso de los recursos

Se trata de una característica muy importante en la literatura del Barroco. Es común que esté presente en la literatura de estos periodos. Especialmente en los conocidos culteranos.

Predomina siempre la exageración en todos estos géneros. Además, la adjetivación desaforada, el uso de la metáfora y la antítesis eran aplicadas para sobrecargar cualquier obra.

Tendencias marcadas

Nada está más alejado de la realidad por pensar que las manifestaciones literarias fueron homogéneas. Esto debido a que los escritores de esos tiempos tomaron ciertas actitudes, con relación a lo que les tocaba vivir. Sin embargo, en estas creaciones concebidas se suscitaron diversos aspectos en común. Por ello, se organizaron en dos importantes grupos los conceptistas y los culteranos.

Géneros de la literatura del Barroco

Entre los géneros literarios que marcaron tendencia en la historia, mencionamos los siguientes:

Poesía Barroca

Producto del contexto desesperanzador existente en estos tiempos, la poesía pasó a ser una de las formas literarias más explotadas. Asimismo, la expresión de todos los sentimientos es notoria, ya que cada autor adaptó sus formas y recursos a su manera más conveniente.

Estos se aprecian de manera clara en las, obras tanto conceptistas como culteranas. Entre estas estaban los sonetos, las décimas, las églogas, y otros.

Por otra parte, también se evidenció, para aquella época, la poesía popular. La cual, se encontraba repleta de temas relacionados con el desengaño y el amor. En estos casos, los contenidos no eran tan intensos, ya que estaban dirigidos a todo tipo de público.

Prosa Barroca

España es un país considerado precursor de la prosa barroca. La marcada coincidencia entre los siglos sirvió para brotar la creatividad sin límites de la prosa.

Del mismo modo, producciones literarias como las novelas alcanzaron gran importancia en aquellos tiempos. Entre los máximos exponentes destacan: Saavedra y Miguel de Cervantes.

En estos tiempos, existían dos tipos de maneras novelescas notables. Como la picaresca, que se trataba de que el protagonista fuera de la plebe, un grupo social de la Roma Antigua. El segundo era la cortesana, que expresaba los desafueros, excentricidades y lujos de los adinerados comunes de la época.

Teatro Barroco

En la época del Barroco, el texto teatral era uno de los géneros que más impacto provocó. Ya que este llegaba de forma explícita y directa a toda la población sin ningún tipo de distinción. Las representaciones con connotaciones históricas, mitológicas y religiosas eran muy frecuentes. Por consiguiente, los autores trataban de buscar unirse a los pontífices y mandatarios de turno. Esto lo hacían con el único propósito de conseguir favores a cambio.

De igual manera, las organizaciones teatrales se encontraban muy bien estructuradas. Las mismas nacían de los teatros ambulantes callejeros. En ellas se exponían diversas temáticas populares, que deslastradas de los tópicos comunes de la iglesia y las cortes. Entre sus representantes más conocidos se puede hacer mención de Lope de Vega.

Obras y autores destacados

Entre los autores y las obras de la literatura del Barroco, tenemos:

Obras de Luis de Góngora y Argote. De 1562 hasta 1627

• Fábula de Polifemo y Galatea año 1612.
• Fábula de Píramo y Tisbe año 1618.
• Las Soledades año 1613.

Francisco de Quevedo y Villegas. De 1580 gasta 1645

• El tribunal de la Justa Venganza año 1635
• Discurso de todos los diablos o infierno enmendado año 1628
• Historia de la vida del Buscón llamado don Pablos. Ejemplos de Vagamundos y espejos de Tacaños año 1626

María de Zayas. De 1590 hasta 1661

• Novelas y saraos año 1647.
• Desengaños amorosos año 1649.
• Noveles amorosas y ejemplares año 1637

Félix Lope de Vega. De 1562 hasta 1635

• La Dorotea año 1632.
• La Gatomaquia año 1634.
• Hermosura de Angélica, junto a otras rimas año 1602.

Calderón de la Barca. De 1600 hasta 1681

•  El alcalde de Zalamea año 1651.
• A Dios por razón de estado año 1650 hasta 1660.
• Amor, honor y poder año 1623.

Miguel de Cervantes y Saavedra. De 1547 hasta 1616

• El ingenioso caballero don Quijote de la Mancha año 1605 y 1615.
• La Galatea año 1585.

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Introducción a la novela de Romeo y Julieta

Antes de dar inicio al resumen de Romeo y Julieta, es primordial considerar algunos parámetros. Como por ejemplo, para conocer acerca de su importancia en la cultura general y la literatura. Se refiere a una historia de amor y dolor. Debido a la enemistad entre dos familias importantes de la localidad. Es un relato de amores imposibles en donde los personajes tendrán que superar los obstáculos familiares y sociales.

Se trata entonces de una novela romántica contemporánea. La cual, mezcla característica del género literario, como la muerte, el amor y la tragedia.

Resumen de la novela

A continuación se presenta un breve resumen de lo más importante de esta historia de amor Romeo y Julieta.

Representación y puesta en escena

Esta novela inicia con una pelea en plena calle entre los Capuleto y los Montesco. En ese momento llega el príncipe Della Escala e interviene en la disputa. Para esto declaran un acuerdo de paz que, en el momento que sea violado, tendrá que pagarse con muerte. Después de estos sucesos, aparece el conde Paris que era familiar del príncipe y se reúne con el señor Capuleto. Esto con el propósito de conversar acerca de la idea de contraer nupcias con su hija Julieta.

Sin embargo, Capuleto le indica que tiene que esperar durante dos años hasta que la niña cumpla los 15 años. Para aprovechar el compromiso, le propone realizar un baile familiar para formalizar el acontecimiento. Por otra parte, la nodriza de Julieta y la señora Capuleto intentan convencerla de casarse con París.

Los Montesco

Romeo en reiteradas ocasiones habla con su primo Benvolio, en referencia a su más reciente depresión. Este está convencido que la tristeza de su primo es motivada por un amor no correspondido. No obstante, él piensa que se trata de una joven que se llama Rosalina y es sobrina de Capuleto. Por ende, este le informa a Romeo del gran baile que dará esta familia.

En este sentido, Romeo decide ir a la ceremonia sin invitación para tratar de encontrarse con Rosalina. Al llegar al evento al primero que encuentra es a Mercucio, amigo de Romeo y pariente del príncipe Escala. Este le cuenta a Mercucio acerca de sueños que lo atormentan, pero Mercucio no le presta atención. Al entrar al baile, Romeo coincide con Julieta y, desde ese momento, se enamoró perdidamente.

Después de eso, Julieta le pregunta a la nodriza acerca de la descendencia del joven. A lo que está manifiesta que es de los Montesco y la muchacha estaba impactada con la hermosura de Romeo. Finalizando el baile en una secuencia que se conocía como escena de balcón. El joven se introduce al patio y escucha a la joven Julieta en el balcón de su dormitorio. La cual, manifestaba que estaba enamorada a pesar de la hostilidad existente entre ambas familias.

Al pasar el tiempo

Después de ese primer encuentro, los jóvenes buscan la manera de coincidir frecuentemente. Pero llega el momento en donde toman la decisión de escapar y casarse. Con la ayuda de Fray Lorenzo, que los apoya porque piensa que es lo ideal para la reconciliación entre estas familias. Así es como estos locos enamorados se casan en secreto.

El primo de Julieta, Teobaldo, ofendido con Romeo por todas sus intromisiones lo reta a un duelo mortal. Sin embargo, Romeo evita por todos los medios ir al combate. Mercucio se sentía lastimado por la cobardía de Romero y la insolencia de Teobaldo y decide aceptar el duelo. Finalmente, termina muerto dejando a Romero muy dolido por la pérdida de su gran amigo. Este retoma el enfrentamiento y termina con la vida del primo de Julieta.

El príncipe tiene que exiliar el joven en la ciudad, indicándole que si regresa es lo último que hará en su vida. El señor Capuleto decide que debido a la tristeza de su hija es mejor que la ofrezca en matrimonio con el conde París. Por esto, intenta convencerla para que acepte convertirse en la condesa. La joven entre la espada y la pared termina aceptando, solo si la boda es pospuesta.

La muerte fingida

Mientras todo esto sucedía, Romeo pasó la noche en la alcoba de Julieta y secretamente logran consumar su unión matrimonial. Julieta al día siguiente visita a Fray Lorenzo para pedir algunas sugerencias. El mismo le entrega una pócima que le permitirá inducir un intenso coma que duraría por cuarenta y dos horas. Después que la joven acepta, el Fraile le indica que enviará un mensaje a Romeo para darle a conocer el plan. De esta manera, él podría volver en el momento en que ella despierte.

La noche del matrimonio, Julieta ingiere la poción y todos sus familiares pensaron inmediatamente que estaba muerta. Seguidamente, depositaron en la cripta familiar su cuerpo. Con relación al mensaje de Fray Lorenzo, nunca pudo llegar a Romeo. Así que este se entera por un sirviente de la familia de la muerte de Julieta.

El gran desenlace

Derrotado y afligido, Romeo no tenía ganas de seguir adelante. Es por ello que decide ir al boticario y comprar el veneno más poderoso. Al llegar a la cripta de Julieta, encuentra a París, quien en ese momento lloraba la muerte de su amada. Este creía que Romeo era un saqueador de tumbas y lo enfrenta, para el final terminar muerto. Después procede a tomarse el veneno para morir al lado de su esposa. Cuando Julieta despierta la escena que consigue son los cadáveres de Romeo y París.

El Fray que llega en ese momento, le indica que se vaya hacia alguna organización de monjas. Pero ella, conmocionada, toma la daga de su esposo y se la atraviesa en el corazón. Días más tarde, los Capuleto y los Montesco, en compañía del príncipe se dan cuenta de la muerte de los jóvenes. Fray Lorenzo se dedicó a difundir esta historia de amor prohibido por todos los lugares. Esta revelación puso fin al odio familiar y deciden construir una estatua en oro, en honor de Romeo y Julieta.

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No obstante, aunque muchas personas reconocen su nombre, quizás no tengan conocimiento de las obras que realizó. Por ello, aquí conocerás todo acerca de su vida y sus obras más resaltantes en el mundo artístico.

La vida de Diego Rivera

Como ya se mencionó Diego Rivera nace en México, desde muy pequeño le apasionó la pintura. Por este motivo, a partir de los 10 años comienza a estudiar arte. Esto lo hizo bajo la tutoría de José María Velasco. En el año 1907 recibió el apoyo económico de la nación para comenzar a estudiar en España. Posteriormente, viaja a París en el año 1909, donde se comprometió con la también pintora Angelina Beloff.

Se diferenciaba de sus colegas pintores porque nunca se involucró con la Revolución de México. La cual, había estallado en el año 1910 después de que este partiera hacia Europa. En este caso, su relación se consideraba más bien del tipo ideológico. Posteriormente, en 1912 fue invitado a la capital Mexicana por José Vasconcelos. Así fue como en el año 1922 se concentró en pintar el mural que se conoció como “La creación”.

Junto a José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, fundaron el sindicato de Escultores, pintores y artistas gráficos de la revolución. Después de eso logran desarrollar el programa, denominado muralismo mexicano. Diego también se abocó al estudio de todo lo relacionado con el arte prehispánico. Se consideró como una fuente de inspiración para un gran coleccionista.

Otros datos importantes

Su primera esposa fue Guadalupe Martín, con ella procreo dos niñas: Ruth y Lupe. Después de esta unión, contrae nupcias dos veces más. Fue militante en el partido del comunismo mexicano, hasta el día que lo expulsaron, en el año 1929. Realizó distintos trabajos por todo Estados Unidos, entre ellos: El hombre controlador del Universo y el célebre mural. Los cuales estaban destinados para que fueran exhibidos en el Rockefeller Center.

El mencionado mural fue destruido, debido a que pensaban que representaba el rostro del comunista Lenin. No obstante, Diego pintó una nueva versión del mismo, antes de regresar nuevamente a México. Esto también, lo hizo con su famosa obra del 1948 “Sueño de una tarde en la Alameda Central”. Por otra parte, ilustró el libro de poesía de Pablo Neruda, titulado “Canto General”. Para ese entonces fue galardonado con el Premio de Artes de México.

Las 5 mejores obras de Diego Rivera

Seguidamente, se mencionan las obras más apasionadas e influyentes de la vida de Diego Rivera.

Año 1915- Paisaje zapatista

Rivera incursionó a los diez años de edad en la escuela de arte. Por esto, ya a los 21 años se embarca en una travesía para irse a estudiar a Europa. Al regresar a su casa natal México se encontraba atravesando por una revolución. Lo que lo hizo familiarizarse con las tendencias del arte moderno. Esta obra es una combinación de la devoción que él sentía por su país y por las influencias europeas.

Se trataba de un pastiche cubista con ciertos elementos fragmentados que fueron extraídos de la cultura indígena. Como por ejemplo: serapes o sombreros. En cuanto a lo revolucionario, utilizó la artillería y los fusiles. Todos estos fueron compaginados al centro del lienzo. Desde ese momento, Rivera logró reivindicar su naturaleza mexicana, y terminó siendo miembro de la revolución de su país.

Por otra parte, Rivera, por medio de esta obra también expuso su sentido cubista. Debido a que, mostró un hermoso paisaje de montaña y la virgen, como símbolo del México pre colonial, de allí proviene el nombre de esta pintura. Además, también se la dedicó a Emiliano Zapata, un revolucionario que dirigió las guerrillas campesinas en las batallas.

Año 1928- En el Arsenal

En el año 1920, Diego viaja por primera vez a Italia para poder estudiar los enormes frescos renacentistas del país. Posteriormente, regresa en el año 1921, con nuevos conocimientos. En ese momento, se encuentra con un nuevo Gobierno que fue elegido de manera democrática. Por consiguiente, el ministro de educación pública, José Vasconcelos, inició un programa público de artes. En el cual, combinó la intensidad junto a la sutileza.

En dicho programa, Rivera estuvo de encargado, y trataba siempre de canalizar su afición por el cubismo. Para ello, empleó su fervor político en la realización de los murales sociales y realistas de la capital Mexicana. En el Arsenal se retrató al mexicano común, que eran los líderes de la revolución. Es así como en la pintura monumental, por primera vez, se da fin al enfoque de los jefes, dioses y reyes.

Año 1928- Historia de México

En esta obra titulada Historia de México, se demuestra el ya estilo maduro del pintor. Se trataba de una síntesis de la estructura cubista, que estaba definida por lo neoclásico. Asimismo, refleja una paleta en su esplendor que manifiesta tanto la pintura de la época de la pre conquista, como el postimpresionismo​. Rivera con este trabajo asumió la tarea ambiciosa de dar representación a la historia mexicana. Así como también, visualizar un poco más allá hacia el futuro.

Demuestra el lado extremo de la escalera central del palacio. Lo cual, fue realizado como representación de la caída del Teotihuacán, que sucedió en el periodo 900 d.C. Esto fue vivido en la época del dominio colonial y en las revoluciones del siglo XIX y XX. Lo que une los acontecimientos. Sin duda alguna, es la lucha de clases. Hecho que se trasmite de manera clara en el área centralizada del fresco.

Por último, tenemos a Carlos Marx, sujetando un banderín con un manifiesto escrito. En esta señala: “la historia completa de la humanidad hasta ahora es considerada la historia de la lucha por la clase. La tarea de todos no se centra en reformar la sociedad actual, sino en construir una completamente nueva.”.

Año 1932- Industria de Detroit

A principios del siglo XX, Detroit fue considerado como un próspero centro industrial. Asimismo, también se vio envuelta en frecuentes despidos en los tiempos de Gran Depresión. Cuando Diego llegó a la capital, en el año 1932, los efectos se sintieron de manera profunda. En ese momento el pintor vuelve a exaltar la difícil situación que atraviesan los trabajadores.

En este muro, Rivera representa la abundancia de la naturaleza y la agricultura. Lo hace por medio de una imagen de un pequeño niño rodeado de figuras. En las áreas del sur y el norte, expresa la próspera industria automotora. Esto con el fin de demostrar la maquinaria que sacude las líneas de ensamblaje y el acero fundido.

En el oeste, ubicó herramientas de guerra como manifestación de los peligros tecnológicos. Todo ello podría llevar a la autodestrucción de la humanidad. Por el norte, Rivera representó los avances médicos usando para esto un pesebre cristiano con figuras de médicos y sus pacientes. Al ser desvelados los frescos, surgieron las controversias de los grupos católicos. No obstante, Ford acepta la pieza animada, apoyado por trabajadores de fábricas y estudiantes universitarios, manifestantes en contra de la censura.

Año 1934- Hombre controlador del universo

Muy a pesar de la política socialista que se vivía en esos tiempos, Rivera consiguió numerosos personajes partidarios. Además, de contar con el apoyo de Ford, también fue patrocinado por Abigail Greene Aldrich Rockefeller. Siendo tanto así, que ella invitó a Diego Rivera para que participara en una exposición en el famoso Museo de Arte Moderno. Al año siguiente, animó a su esposo, John Rockefeller, para que comisionara un fresco que abarcara el edificio del Rockefeller Center.

Esta obra, pensada en Los Rockefeller, era una composición de los proletarios en avance. Los cuales, son los oponentes de las grandes potencias capitalistas. En el centro se ubica un hombre heroico que opera una máquina, de donde surgen cuatro elipses cósmicas. Es como si se tratase de unos portales de otros reinos lejanos. Asimismo, contaba configuras de microorganismos y cuerpos celestes que se referían a ciertos adelantos científicos.

Al último momento, Diego adicionó elementos que no les sentaron bien a sus colaboradores. Esto debido a que estaba lastimado con sus compatriotas socialistas por la relación que tenía con la adinerada familia Rockefeller. Por ello decidió dejar clara su lealtad al comunismo e incorporó un retrato de Lenin.

La dinastía Rockefeller le exigió que lo retirara de la obra, pero el artista se negó. Por ende, tiempo más tarde tras vivir polémicas constantes el mural termino destruido.

Un artista por excelencia

Diego Rivera se concentró en la identidad mexicana moderna, a partir del año 1929. Tiempo en donde fue expulsado del partido comunista por estar envuelto en ciertas discrepancias. En la mayoría de sus obras, ilustra la historia de su México querido, desde que inicio la época precolombina. Por ello, sus murales forman parte de las tres paredes ubicadas en la escalinata del edificio principal.

Mientras tanto, en la pared del centro se ubica el periodo desde la conquista española hasta la revolución. En el extremo derecho el artista describe con una visión idealizada y nostálgica el mundo precolombino. Por su parte, en el lado izquierdo se plasmó la visión de un México próspero y moderno.

Su relación con Frida

Para el año 1929 Diego se casó con otra artista emblemática mexicana, Frida Kahlo. Esta relación fue muy tormentosa y estuvo marcada por escenas cargadas de odio y amor. Se creían que era debido a aventuras amorosas y por tener la misma afición por lo creativo.

Muchas personas afirmaban que su matrimonio se semejaba a la de una paloma y un elefante. Debido a que él era pesado y grande y ella pequeña y delgada. Entre las aventuras de Diego, estuvo Cristina, la hermana de su esposa Frida. Sin embargo, a pesar de los tantos problemas, ambos se mostraban frente a los demás como si estuviesen completamente enamorados.

Otras obras importantes de Diego

• En el año 1913: un óleo sobre el lienzo que se titulaba Retrato de Adolfo Best Maugard.
• Año 1925: Óleo en lienzo, denominado Festival de las Flores.
• Un Fresco, en el año 1923, que se conoció como Entrada a la mina.
• Óleo sobre lienzo, en el año 1928, que se conocía como Baile de Tehuantepec.
• Fresco del año 1931, denominado Zapata, Líder Agrio.
• Mural, en el año 1931, cuyo título era The Making of a Fresco, Showing The Building of a City.
• En el año 1933, un Fresco llamado Detroit Industry.
• Periodo 1935, un temple y óleo sobre masonita, llamado Cargador de Flores.
• Año 1940, el mural que se llamó Unidad Panamericana.
• Óleo sobre el lienzo, en el año 1943, denominado retrato de Natasha Zakolkowa.
• En el año 1944, óleo sobre masonita, conocido como Desnudo con alcatraces.

El día de su muerte

El día 24 de octubre del año 1957 fallece en México uno de los mejores mejor artistas representativo del siglo XX. En compañía de David Alfonso Siqueiros y  José Clemente Orozco cambiaron la idea del muralismo mexicano. Los temas usados eran nacionalistas y pertenecientes a la generación post revolucionaria. Los días siguientes a su muerte, las condolencias por parte de personalidades de la cultura y política no cesaban. Así como también los discursos acerca de quien fuera, hasta el presente, el mejor exponente de la pintura.

Diego Rivera, el afamado muralista mexicano falleció producto de una complicación por trombosis y flebitis. Al morir se encontraba en compañía de su última esposa, Emma Hurtado. Con esta se casó después de regresar de la Unión Soviética, fue el último viaje que realizó. También estaba a su lado su hija Lupe.

Se encontraba en su domicilio que, también usaba como taller, en la Colonia de San Ángel Inn. Su lucidez estuvo presente hasta el final de sus días, ya que minutos antes de morir logró conversar un poco con su hija y esposa. 

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Este tipo de arte puede referirse a la música, las artes escénicas como la actuación o la danza, la pintura, performance, la escultura, la fotografía, las artes audiovisuales, la literatura, el diseño, etc.

El arte colectivo surge durante la Revolución Rusa, cuando fueron implantados por el Estado en las comunidades importantes. También en la Revolución Francesa cuando el Louvre en París fue usado como un colectivo de artistas.

Las razones por las cuales un colectivo se forma, pueden ser diversas. Pero normalmente es por motivos económicos, políticos y sociales.

A continuación, te presentamos información relevante sobre todo lo que es el arte colectivo.

Definición de arte colectivo

El arte colectivo es la alianza entre dos o más artistas, con la finalidad de elaborar juntos trabajos artísticos. Los artistas pueden ejecutar su obra trabajando en concordancia sobre una misma pieza. También puede darse el caso de que cada uno realice su trabajo por separado, realizando piezas que posteriormente, se unirán para formar un conjunto.

Estas personas suelen agruparse con el objeto de compartir filosofías y establecen reglas de convivencia entre ellos. En ocasiones, no se dan a conocer como un colectivo, sino que crean un personaje ficticio.

El arte colectivo ha dado origen a obras espectaculares, aunque estas no poseen reconocimiento a nivel internacional. Básicamente se realizan para transformar de una manera positiva el espacio en que se realizan.

¿De dónde surge el arte colectivo?

El arte colectivo nace en la década de los setenta y surge como un movimiento social en una época en la cual existían amenazas terroristas y nucleares. También, donde había una división social en contra o a favor de los partidarios de extrema derecha.

Por lo que, surge estos grupos con una ideología alternativa y actitud liberal, que utilizan sus expresiones artísticas a manera de protesta.

Este tipo de movimiento, pasaron a ser las bases fundamentales para el desarrollo de la escena creativa. Poniéndose en marcha una serie de grupos artísticos que causaron mucha influencia y que poseían una elevada capacidad creativa, cuya finalidad era la de terminar con los preceptos impuestos por la sociedad, la crítica y las instituciones de arte.

¿Cuáles son sus características?

Algunas de las características que tiene el arte colectivo son las siguientes:

• En la mayoría de los casos presenta un lenguaje estético esbozado. En otras palabras, se conoce que la obra fue realizada con el aporte de varios artistas, pero el resultado final da la impresión de que todo el conjunto fue ejecutado por una sola persona. Esto hace casi imperceptible diferenciar el aporte individual de cada artista.
• Utiliza una metodología amplia que, por lo general, es establecida por el grupo de artistas tomando en cuenta sus objetivos y motivaciones.
• Establece procesos libres, realizados de manera espontánea que permiten que la obra quede abierta a otras participaciones sin necesidad de tener un bosquejo.
• Algunos de estos grupos de artistas conviven y comparten los beneficios obtenidos de sus obras. Además, de los derechos de propiedad.
• La síntesis de sus criterios individuales se entrelazan con la finalidad de ejecutar un trabajo artístico que se complemente.
• Las personas que se organizan en un grupo de arte colectivo, tiene en común una misma ideología. Es decir, que comparten ideas políticas, económicas y sociales.
• Algunos grupos de arte colectivo, realizan sus trabajos para obtener un lucro. Sin embargo, también existen colectivos que no obtienen ninguna clase de enriquecimiento, ya que solo realizan sus obras con la finalidad de transmitir un mensaje o para dar a conocer alguna idea.
• El arte colectivo puede estar conformado por una o por varias disciplinas. La mayoría de las veces, se identifica el arte colectivo con la pintura.
• Los grupos de arte colectivo no son perdurables en el tiempo. Por lo general, suelen establecerse por un periodo de tiempo durante el cual ejecutan sus trabajos artísticos.

Agrupación de los artistas en el arte colectivo

Los artistas colectivos se agrupan según la similitud que exista entres sus ideas políticas, económicas y sociales. Sus opiniones e ideología se unen con la finalidad de transmitir un mensaje y valores por medio de la colaboración y la promoción de una obra y así, poder conseguir el objetivo en común.

El surgimiento de los grupos de rap, es uno de los ejemplos más característicos del arte colectivo. Desde hace décadas, este movimiento ha originado un grupo cultural a nivel mundial. Expresando de manera clara y concisa sus diferentes opiniones, desacuerdos sociales, refuerzo de valores en la búsqueda de concientizar a la población.

Por lo que, las expresiones musicales de los diferentes grupos de rap dieron origen a subculturas tales como el hip hop, la cual se encargó de agregar otras como el baile conocido como breaking y la elaboración de graffitis.

¿Qué motiva la creación de un grupo colectivo?

La creación de un grupo de arte colectivo, no es necesariamente un objetivo establecido y organizado con ambiciones estructuradas.

En muchas ocasiones, estos grupos se organizan solo mientras dura la creación de una obra. No todos permanecen establecidos de manera continua o permanente. Esto se debe a que lo que los motiva a unirse es simplemente ejecutar un trabajo en conjunto. Algunas veces con la finalidad de ahorrar costos de producción y promoción, y compartir materiales y espacios.

La unificación de personas que conforman un colectivo de arte, genera a los artistas una evolución en el desarrollo de sus ideas. Además, de la aceptación de los diferentes enfoques, el crecimiento de una inteligencia grupal inspirada por la integración de varios puntos de vista y diversas disciplinas artísticas que aumentan la capacidad creativa individual y del grupo.

Colectivos de arte influyentes

En los últimos tiempos, los colectivos de arte poseen un papel importante dentro de la historia del arte, esto debido a su amplia variedad y diversas uniones que van desde un par de artistas hasta un centenar. Puede incluso llegar a integrar a miles de artistas en una obra o un evento de arte.

Los grupos de arte colectivo gozan de cierto grado de anonimato. Esto genera diversos riesgos y retos, ya que se pueden ejecutar proyectos ambiciosos. Como resultado, quitan las limitaciones que un artista que trabaja en solitario pueda llegar a encontrarse.

La agrupación de los colectivos se ha llevado a cabo cuando es necesaria una mediación en una situación en particular relacionada con la realidad económica, política o social de un lugar en específico. Por lo que se forman movimientos sociales que buscan generar un impacto y la concientización de un grupo de personas.

Entre los colectivos de arte influyentes que han marcado tendencia en los últimos tiempos y que generaron nuevas iniciativas se pueden mencionar los siguientes:

Archigram

Este es un grupo de arte colectivo de arquitectura vanguardista, fundado en la década de los sesenta. El cual se basó en una perspectiva futurista, pro consumista, antihéroe y con gran inspiración en la tecnología.

Este grupo aportó un punto de vista atrayente del futuro de las máquinas, en el que no se hacía referencia a temas de índole social, logrando transformar la realidad a su propio lenguaje. Exploraron temas relacionados con las cápsulas espaciales, las imágenes de consumismo masivo y la supervivencia.

Las diferentes obras realizadas por este colectivo, fueron de gran impacto y sirvieron de base para los proyectos de otros artistas y para algunos trabajos tecnológicos. Cabe destacar uno de sus trabajos más recocidos, titulado “La ciudad Caminante”, realizado en el año 1964. Se trata de una serie de elementos gigantes con vida que tiene similitud entre máquinas e insectos que podían trasladarse por los alrededores de las ciudades, todo esto detrás de un argumento situacional.

Guerrilla Girls

Es un colectivo anónimo fundado en el año de 1985 por varias artistas femeninas. Conocido por utilizar habilidades y destrezas de arte de guerrilla, con la finalidad de impulsar el movimiento de arte femenino.

Este colectivo usa una serie de símbolos icónicos de este movimiento, tales como: máscaras de gorila, minifaldas y medias de red.

No se conoce a ciencia cierta la cantidad de mujeres que conforman este grupo, en ocasiones han expresado que nadie ni siquiera las personas que forman su entorno familiar conoce sus identidades. Sin embargo, se presume la integración de unas veinte o treinta artistas. Su propuesta de trabajo está enfocada en acciones, carteles y vallas publicitarias.

El primer trabajo realizado por este grupo colectivo de arte, fue el de desplegar afiches por las calles de la ciudad de Nueva York. En esta oportunidad, hacían referencia al desequilibrio existente entre los géneros. A medida que el tiempo ha transcurrido, el activismo social de este colectivo trata la cultura popular, enfocándose en los estereotipos de género. De hecho, se ha ido extendiendo hasta la industria del cine.

Gelitin

Este grupo de arte colectivo fue fundado en 1978 y está conformado por cuatro artistas de origen austriaco. El cual, se empezó a dar a conocer por sus trabajos realizados a principios de los años 90.

Anteriormente, se llamaban Gelatin (gelatina), pero a partir de 2005, decidieron cambiar su nombre a Gelitin. Su trabajo está enfocado en acciones de gran escala, en las que instalan e intervienen espacios. Se caracterizan por ser un grupo de carácter rebelde y por lo general, tratan de que el público se involucre en sus actos.

Entre sus trabajos más relevantes se encuentran la obra “Zap of Pipi”, realizada en el año 2005, en la cual realizaron un carámbano gigante que contenía muestras de orina congelada, perteneciente a los participantes de la Bienal de Moscú. Otra obra que merece mención, es la llamada “Hase”, la cual consiste en un conejo rosado de 55 metros de altura colocado en la colina de la Toscana, Italia, el cual permanecerá en ese sitio hasta el año 2025.

En el año 2003, dieron a conocer su obra titulada “Arc de Triomphe”, ubicada en Salzburgo, Austria, la cual consiste en una fuente de siete metros de altura. Realizada con dos mil kilogramos de plastilina, simbolizando a una figura orinando. 

En el año 2000, ejecutan su trabajo titulado “Weltwunder”. Como parte de la Expo 2000 llevada a cabo en Hannover, Alemania. La cual trata de una cueva submarina oculta, a la que solo se puede llegar a ella buceando, por medio de una tubería de cinco metros de profundidad.

Fluxus

Este grupo de arte colectivo obtuvo gran popularidad en los años sesenta y setenta y se dedicaba a generar contenidos audiovisuales y temáticos, relacionados con la literatura principalmente en Norteamérica y en gran parte del territorio europeo.

Se caracterizaban por la mezcla de disciplinas, tales como: el arte audiovisual, la música y la literatura.

Este colectivo estuvo bajo la dirección de George Maciunas y su socio y amigo Almus Salcius. Además, contó con la colaboración de personajes importantes de la época, tales como Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik y Yoko OnoM quienes se encontraban en la experimentación de corrientes como el arte interpretativo, la poesía y la música.

Dos de las obras más conocidas de este colectivo fueron las tituladas “Event Scores” y “Happenings”.

¿Por qué las personas crean una alianza para hacer arte?

Las personas que deciden participar en estos grupos de arte colectivo, se unen de manera espontánea, tienen en común ideologías y pensamientos en diversos aspectos. También, pueden existir otras razones por las cuales se crean alianzas para ejecutar obras de arte. Entre estas razones, se pueden mencionar: la disminución de costos de construcción. De igual forma, el hecho de que compartir con varias personas el trabajo de realización de una pieza de arte tiene como resultado que, la promoción de dicha obra, sea más sencilla de realizar en todos los sentidos.

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Desde el enfoque paisajista, se pueden dar diferentes manifestaciones tales como: paisaje natural, humanizado, agrario, industrial, urbano, etc.

Este término, también hace referencia a la organización económica, política y cultural de la sociedad, como un conjunto de nodos (ciudades, hitos), líneas (infraestructuras de transporte y comunicación), áreas (utilización de suelos), flujos (intercambios de mercancías e información), jerarquías (rango de lugares) y difusiones.

A continuación, te presentamos toda la información más importantes que necesitas conocer sobre el espacio geográfico, su definición, características, componentes y tipos.

¿Qué es el espacio geográfico?

El espacio geográfico es el entorno en el que se relacionan todos los elementos que componen  un determinado espacio, como la naturaleza, los elementos sociales y culturales de un grupo en específico. En otras palabras, es el vínculo de los elementos de la naturaleza (ríos, montañas, valles, vegetación, etc.) con los elementos humanos (calles, avenidas, edificios, plazas, etc.), donde es posible la convivencia humana.

En la mayoría de los espacios geográficos, existe la posibilidad de visualizar el transcurrir del tiempo, por medio de su infraestructura, por lo que, se dice que estamos en presencia de un espacio dinámico.

¿Cuáles son las características del espacio geográfico?

El espacio geográfico está caracterizado por dividirse en dos dimensiones fundamentales, una es la dimensión locacional y otra es la ecológica. A continuación, especificaremos de qué trata cada una de ellas.

Dimensión locacional

Consiste en la ubicación de un determinado espacio, representado en coordenadas con la finalidad de que pueda ser expresado en un mapa.

Dimensión ecológica

Es aquella que hace referencia a todos los seres vivos que existen en un espacio geográfico en específico.

Otra característica de importancia en el espacio geográfico es la historia, ya que permite verificar la evolución de los diferentes elementos a través del tiempo. Es decir, que las huellas que dejan las sociedades anteriores transforman el espacio geográfico. Además, existen una serie de elementos de diversos tiempos históricos que se incorporan, tales como lo son los elementos medievales y modernos, o industriales y posindustriales.

Otras características que se pueden nombrar son:

• El espacio geográfico es cualquier espacio que sea habitado, transformado o modificado por el ser humano y del cual se obtenga algún tipo de remuneración económica.
• Es resultado de las diferentes modificaciones que los seres humanos realizan en el transcurso del tiempo.
• Ayuda a cubrir necesidades básicas del ser humano, tales como alimentación, vivienda y trabajo.
• Se encuentra en un proceso de transformación continuo debido a las acciones que el ser humano ejecuta sobre él.

¿Cuáles son los componentes del espacio geográfico?

Los componentes que conforman el espacio geográfico son los siguientes:

Componentes naturales

Son los que se encuentran en un espacio natural, en el que no ha intervenido la condición humana, como por ejemplo: las montañas, los desiertos, los ríos, valles, mares y lagos.

Componentes sociales

Son todas aquellas actividades desarrolladas en el espacio geográfico que han sido elaboradas por la mano humana, como por ejemplo: los mercados y los monumentos religiosos. Abarca todo lo que se requiere para implantar una comunidad y todo lo que el ser humano construye o fabrica.

Componentes políticos

Están relacionados con la manera en que se encuentra organizado el poder en las diferentes sociedades humanas. Tal es el caso de la delimitación de fronteras que dividen a los diferentes países del mundo y la organización geopolítica de cada territorio.

Componentes económicos

Estos componentes se encuentran impregnados en los espacios geográficos, como resultado de las dinámicas de producción y consumo, a través de las cuales las diferentes sociedades procuran satisfacer sus necesidades.

Componentes culturales

Se refiere a las particularidades de cada comunidad, sus costumbres, sus tradiciones, su gastronomía y su idioma; y que se conservan a través del tiempo.

¿Cuáles son los tipos de espacio geográfico que existen?

El espacio geográfico puede ser clasificado por el uso del suelo, por su grado de transformación y por su extensión, tal como lo veremos a continuación:

Tipos de espacio geográfico según el uso del suelo:

Espacio urbano

El espacio urbano es aquel que pertenece a las ciudades y centros urbanos, que por lo general se determinan dependiendo el número de habitantes que posee. Existen diversos criterios que determinan qué lugar es una ciudad y, estos varían según cada ciudad.

Los espacios urbanos se caracterizan por poseer mayor número de población y por las actividades económicas que se desarrollan en sus límites. Además tienen diversos tipos de infraestructura.

Es decir, además de tener viviendas, podrás visualizar una cantidad considerable de edificios con oficinas, centros comerciales, diversos restaurantes, teatros, cines, entre otras edificaciones. Su organización espacial está establecida por zonas, municipios, barrios, calles y avenidas.

Espacio rural

El espacio rural es aquel que tiene zonas con menor cantidad de población. Se caracterizan por albergar una cantidad considerable de granjas de animales y cultivos de todas clases. También, tiene grandes extensiones de terreno, en las cuales no podrás visualizar ningún tipo de edificaciones.

Tipos de espacio geográfico según su grado de transformación

En esta clasificación, se pueden apreciar dos tipos de espacio geográfico, el que es intervenido por el ser humano y los no intervenidos.

• En los intervenidos por el ser humano, se encuentran las ciudades y los pueblos, y todo aquel ambiente en donde exista algún tipo de construcción realizada por el ser humano.
• Los no intervenidos, se hace referencia a todo espacio natural en el cual el ser humano no ha realizado ningún tipo de construcción. Este tipo de espacio geográfico cada vez son menos.

Tipos de espacio geográfico según su extensión

Este tipo de espacio geográfico, se puede dividir según las porciones de espacio que se pueden agrupar, por lo que tenemos desde primer orden hasta las de octavo orden.

• Primer orden: se encuentran los continentes.
• Segundo orden: las porciones regionales que posee cada continente, es decir: América del Sur, Europa del este, África septentrional, sudeste asiático, entre otras.
• Tercer orden: se refiere a cada país; China, Alemania, Venezuela, Rusia, España, Argentina, Chile, Estados Unidos, Israel, etc.
• Cuarto orden: indica las regiones dentro del país, las cuales pueden ser estados, provincias, departamentos o entidades federativas, como por ejemplo: estado Falcón, en Venezuela; provincia de Andalucía, en España; provincia de Buenos Aires, en Argentina; etc.
• Quinto orden: hace referencia a regiones  de menor tamaño, como lo son los municipios.
• Sexto orden: está compuesto por los barrios.
• El séptimo orden: es aquel formado por avenidas y calles.
• Octavo orden: es el que se refiere a las residencias o domicilios.

Diversidad del espacio geográfico

Cada una de las zonas del planeta tiene características únicas. En las diversas regiones, la flora y la fauna son únicas en el lugar en el que se desarrollan según la interacción con su entorno.

En el espacio geográfico de cada región, se puede encontrar mares, desiertos, selvas, llanuras, áreas urbanas, áreas rurales, entre otras.

La diversidad de cada uno de estos espacios, se debe a los elementos geográficos. Algunos de ellos son:

• Fauna.
• Clima.
• Relieve.
• Cubierta vegetal.
• Especies animales.
• Recursos naturales.
• Elementos económicos.
• Hidrografía.
• Elementos sociales.
• Elementos culturales.

Ejemplos de espacio geográfico

Área del Gran Tokio, Japón (espacio urbano)

Corresponde a una de las áreas metropolitanas más pobladas a nivel mundial, supera los 35 millones de habitantes. Fue la primera en usar el tránsito rápido. De hecho, más de 20 millones de personas usan diariamente las líneas del tren 136.

Debido a su población, cuenta con las características de un núcleo urbano. Además de contar con importantes infraestructuras. 

Bécherel, Bretaña (espacio rural)

Corresponde a una comuna francesa en el distrito de Rennes. Se conoce también como la ciudad del libro, ya que diversos artesanos relacionados con el mundo literario, implantaron en la localidad una celebración con manifestaciones culturales. Hoy en día, es una de las localidades más importantes.

Es uno de los 19 pueblos con carácter, un municipio rural que cuenta con un patrimonio arquitectónico y construcciones antiguas.

Argentina (país)

La República Argentina se ubica al extremo de América del sur. En este país, para que una localidad sea un municipio debe superar los 10.000 pobladores. Mientras que en Provincia de Buenos Aires es necesario que tengan más de 5.000 habitantes en las localidades que se ubican en partidos del Gran Buenos Aires. Por otro lado, para el resto de los partidos, se requieren 5.100.

Un 92% de los ciudadanos en Argentina se ubica en ciudades. Por otro lado, existen 91 aglomerados urbanos con más de 100.000 habitantes.

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En el caso de La Odisea, la acción gira en torno a tres elementos, ligados entre sí en una composición circular. Comienza con las aventuras de Telémaco, que sale de Ítaca para ir en búsqueda de su padre Ulises. Sigue con las aventuras y navegaciones del héroe de un extremo al otro del Mediterráneo al final de la guerra de Troya. Ambas historias confluyen cuando padre e hijo llegan a Ítaca y toman venganza sobre los pretendientes de Penélope, esposa de Ulises.

Además, esta obra  presenta aspectos novedosos en relación con la Ilíada. El primero de ellos se refiere a los sentimientos que despierta la belleza de la naturaleza. El segundo es la variedad que ofrece. En tercer lugar, el poema está poblado de hechos maravillosos: monstruos marinos, magos, metamorfosis, entre otros.

A continuación, te presentamos un resumen de La Odisea de Homero, un poema épico, que se presume pertenece al siglo VIII a. C.

¿Cómo está estructurada La Odisea?

Como la mayoría de los poemas épicos antiguos, su inicio cuenta la historia a partir de su mitad, es decir, se relatan los secesos anteriores basados en recuerdos, a esto se le llama: in medias res.

Esta obra se encuentra conformada por 24 cantos, los cuales a su vez están divididos en tres partes:

• La Telemaquia, comprendida por los cantos desde el I al IV,  y relatan los acontecimientos por lo que pasa Ítaca durante la ausencia de su rey; la angustia y el desconsuelo de Telémaco y Penélope, causada por los pretendientes; y el viaje que emprende el joven en búsqueda de su padre.
• El regreso de Odiseo, comprendida por los cantos desde el V al XII, en los cuales Odiseo se presenta ante la corte del rey Alcínoo y se relatan los sucesos desde que este partió de Troya.
• La venganza de Odiseo, comprendida por los cantos desde el XIII al XXIV, en los cuales se narran los hechos que describen el retorno de Odiseo a la isla y cómo este aplica su venganza en contra de los pretendientes de su esposa Penélope. Se firma un tratado de paz entre todos los itacenses.

¿Cuáles son los personajes principales de La Odisea?

Los personajes principales que intervienen en el poema de La Odisea de Homero son:

Odiseo

Es el protagonista de La Odisea, sin embargo, aparece como un personaje en el poema la Ilíada. Hijo de Leartes y Anticlea. Rey de Ítaca y esposo de Penélope, con quien tuvo un hijo al cual dieron por nombre Telémaco. Se caracteriza por ser un guerrero de gran ingenio y destreza, fue quien ideó el plan del caballo de Troya.

Penélope

Mujer hermosa y fiel, esposa de Odiseo. Durante veinte años no perdió la esperanza de volver a ver a su marido con vida.

Telémaco

Hijo de Odiseo y Penélope. Al comienzo, parece no poseer la valentía ni la experiencia de su padre para hacer frente de las circunstancias difíciles. Pero, al final se arma de valor y muestra un carácter fuerte al ayudar a su padre a concretar su venganza.

Circe

Sabia maga y hermosa. Predice a Odiseo los peligros que encontrará de regreso a Ítaca.

Poseidón

Dios del mar, también llamado Neptuno, quien desata su ira contra Odiseo, logrando dificultar su viaje de regreso a su patria.

Polifemo

Hijo de Poseidón, pero no es un semidiós, sino un fuerte gigante malvado que solo tiene un ojo. Queda ciego durante un enfrentamiento con Odiseo y sus hombres.

Calipso

Hermosa ninfa que brinda hospedaje a Odiseo. Ofrece a Odiseo la inmortalidad con tal de que se quede con ella.

Atenea

Diosa de la sabiduría. Protege a Odiseo en su viaje de regreso, ayudándolo a volver sano a su patria.

Resumen de La Odisea de Homero

La Odisea se encuentra conformada por los siguientes cantos:

La Telemaquia

Está conformado por los cantos que van desde el primero al cuarto, donde principalmente se relata la historia de Telémaco.  

Canto 1: Exhortación de Atenea a Telémaco. Concilio de los dioses

El narrador de La Odisea, quien es el propio Homero, solicita  a la Musa que narre lo acontecido a Odiseo, después de destruir a la ciudad de Troya. Se convoca a una asamblea, en la que participa Atenea. Se decide en asamblea que Ulises puede retornar a su hogar, ya lleva ocho años cautivos en la isla de la ninfa Calipso.

Canto 2: Telémaco reúne en asamblea al pueblo de Ítaca

Telémaco, hijo de Odiseo, quiere darle una solución a los sucesos que ocurren mientras su padre no está, ya que alrededor del palacio, un gran grupo de hombres buscan pretender a su madre, Penélope.

Por lo que, Telémaco reúne al pueblo de Ítaca en una asamblea para proponer expulsar a los pretendientes, para posteriormente, marchar hacia Pilos en búsqueda de su padre.

Canto 3: Telémaco viaja a Pilos para obtener información sobre su padre

Al llegar a Pilos, Néstor le expresa a Telémaco que no hay noticias sobre su padre. Otros héroes ya han retornado a sus hogares, por lo que, Telémaco le propone a Néstor que lo acompañe en un viaje hasta Esparta, para preguntar a Menelao quién ha regresado.

Canto 4: Telémaco viaja a Esparta para informarse sobre su padre

En Esparta, Menelao les informa que su padre fue secuestrado por Calipso, por lo que ha estado retenido durante años en su isla.

El regreso de Odiseo

Esta parte de La Odisea está conformada por los cantos que van desde el cinco al doce, en los cuales se relata las aventuras que vive Odiseo en su viaje de regreso a Ítaca.

Canto 5: Odiseo llega a Esqueria de los feacios

En una asamblea realizada por los dioses, Zeus ordena a Calipso que libere a Odiseo, quien marcha para emprender el retorno a su patria. Durante el viaje, Odiseo se encuentra con la furia desatada por Poseidón, Dios del mar, el cual está enojado porque Ulises dejó ciego a un gigante quien es hijo del Dios, llamado Polifemo.

Canto 6: Odiseo y Nausícaa

Odiseo llega hasta donde Nausícaa, quien es la hija de Alcínoo, y le cuenta sobre sus aventuras desde que partió de Troya, hace ya diez años.

Canto 7: Odiseo en el Palacio de Alcínoo

 Al estar en presencia del rey Alcínoo, Odiseo hace un relato de lo que vivió con los cícones y los lotófagos, le cuenta sobre su altercado con Polifemo, al cual dejó ciego y después tuvo que enfrentar la ira de su padre Poseidón. Además, también relata su encuentro con Circe y su viaje a Averno, su experiencia con el canto de las sirenas, entre otras muchas aventuras.

Después del relato de Odiseo, el rey Alcínoo hace la promesa de ayudarlo para que pueda regresar a su hogar.

Canto 8: Odiseo agasajado por los feacios

Se organiza una celebración en honor a Odiseo, en la cual se realizan distintos juegos. Durante la fiesta Odiseo se llena de lágrimas al escuchar a Aedo Demódoco, quien cuenta una historia sobre la guerra de Troya.

Canto 9: Odiseo cuenta sus aventuras

Odiseo relata sus aventuras desde que culminó la guerra hasta que fue raptado en la isla de Calipso. También, relata sus vivencias en la nación latófaga, lugar donde tres de sus compañeros comieron loto y se negaban a regresar. Posteriormente, relata su proeza en la isla de los cíclopes.

Canto 10: La isla de Eolo

Odiseo relata su viaje hacia la isla de Eolo, donde Eolo de Hipótada le hace entrega de una bolsa que contiene poderosos vientos del oeste que lo ayudarían a llegar a cualquier parte.

Un día, mientras Ulises duerme, uno de sus hombres por curiosidad, decide abrir la bolsa y luego se originó una gran tormenta con los vientos que fueron expulsados.

Luego de seis días de viaje, llegan  a la isla de los Lestrigones, lugar en el que unos gigantes se comen a varios integrantes de la tripulación.

Posteriormente, Odiseo llega  a la isla de Circe, a la cual le solicita su ayuda para regresar a su hogar. Y esta, predice que para poder llegar a  Ítaca deberá bajar al inframundo.

Canto 11: Descenso al inframundo

Odiseo llega ante las puertas del infierno, donde invoca a los muertos. Luego, aparece Elpénor, el cual le pide a Ulises que le dé sepultura a su cuerpo.

El adivino Tiresias, le predice que su regreso a casa será un viaje complicado. Por otro lado, la madre de Odiseo, Anticlea, muere sin ver a su hijo regresar.

Canto 12: Las sirenas Escila y Caribdis. La isla del sol. Ogigia

En esta parte se relata cómo Odiseo y sus hombres, escapan de los cantos de las sirenas ayudados por Circe. Por otra parte, llegan a la isla del sol, donde los hombres de Ulises hacen caso omiso de los consejos de Circe e ingieren vacas prohibidas del ganado de Helio y todos ellos mueren, menos Odiseo.

La venganza de Odiseo

Esta última parte, está comprendida por los cantos que van desde el trece al veinticuatro, en los cuales se narra el regreso de Odiseo a Ítaca y, su venganza hacia los pretendientes de Penélope.

Canto 13: los feacios despiden a Odiseo. Llegada a Ítaca

Luego de terminar sus relatos en el palacio de Alcínoo, Ulises parte hacia la isla de Ítaca, donde al llegar se disfraza de vagabundo para poder pasar desapercibido.

Canto 14: Odiseo en la majada de Eumeo

Odiseo visita Eumeo, quien es su fiel criado y este le cuenta sobre la situación de su reino. Luego, al lado de Atenea, planifica su venganza hacia los pretendientes de su esposa Penélope.

Canto 15: Telémaco regresa a Ítaca

A través de un sueño, Atenea le indica a Telémaco que debe regresar a Ítaca y le advierte que se cuide porque los pretendientes de su madre quieren tenderle una trampa para lograr matarlo.

Canto 16: Telémaco reconoce a Odiseo

Después de lograr esquivar las trampas de los pretendientes de su madre, Telémaco regresa a Ítaca y va a casa de Eumeo, donde reconoce a su padre. Posteriormente, juntos organizan la venganza contra los pretendientes de Penélope.

Canto 17: Odiseo mendiga entre los pretendientes

Al regresar a su casa, Odiseo solo es reconocido por su perro, el cual muere al verlo. Luego, finge ser un vagabundo entre los pretendientes de su esposa.

Canto 18: Los pretendientes vejan a Odiseo

Odiseo es retado a una pelea por otro vagabundo llamado Iron, enfrentamiento del cual Odiseo sale victorioso. Luego, los pretendientes de su esposa hacen burlas sobre él.

Canto 19: La esclava Euriclea reconoce a Odiseo

Una criada del palacio llamada Euriclea, reconoce a Odiseo y lo ayuda a lavarse los pies. Luego, promete guardar el secreto sobre su identidad.

Canto 20: La última cena de los pretendientes

Odiseo no logra conciliar el sueño, pensando la manera de vengarse de los pretendientes, por lo que Atenea aparece y lo ayuda a dormir. A su vez, Penélope tampoco logra dormir y suplica su muerte.

Luego, tiene lugar una cena para los pretendientes, a la que también asiste Odiseo. Un profeta anuncia a Telémaco que los muros del palacio pronto serán manchados con sangre.

Canto 21: El certamen del arco

Se realiza una propuesta a los pretendientes de Penélope quienes deberán pasar una prueba para aspirar a casarse con ella. La prueba consistía en disparar una flecha que debe pasar por el ojo de doce hachas enfiladas.

Cada uno de los pretendientes fue intentando el reto sin conseguir lograrlo. Posteriormente, Odiseo insiste en participar y fue el único en conseguir pasar la prueba.

Canto 22: La venganza

Odiseo ejecuta su plan de venganza contra los pretendientes. Primero lanza una flecha que mata a Antínoo. Seguidamente, continúa matando sin piedad a todos los demás pretendientes.

Canto 23. Penélope reconoce a Odiseo

Luego de haber terminado la contienda contra los pretendientes, Odiseo se presenta ante su esposa, quien al principio no lo reconoce, pero después de detallarlo se convence de que se trata de su marido y lo abraza.

Canto 24: El pacto

Las almas de los fallecidos fueron guiadas por Hades hasta el inframundo. Por otra parte, Odiseo por fin logra reencontrarse con su padre Laertes, quien apenas pudo reconocerlo.

Ocurre una batalla en la que Laertes mata al padre de Atinoo, quien al enterarse de la muerte de su hijo buscaba vengarse.

Para finalizar, todos los conflictos de Ítaca cesan, debido a la intervención de la diosa Atenea, quien hace la propuesta de un acuerdo de paz.

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Escrito en los umbrales del período del humanismo, el poema con la visión del más allá, dividido en los tres reinos del infierno, el purgatorio y el paraíso, debe abordarse de acuerdo con el espíritu del simbolismo y el alegorismo característicos de la Edad Media.

En esta obra abundan las alegorías, los símbolos, los emblemas. Así como alusiones a la época en la que al autor le tocó vivir, en plena pugna entre gibelinos y güelfos, y a personajes a los que conoció o a los que rememora.

A continuación, te presentamos un resumen de La Divina comedia, de Dante Alighieri, obra de espíritu religioso medieval, unida a los problemas políticos y humanos de la época.

Estructura y características de La Divina comedia

Los principales aspectos que forman parte de la estructura y las características de La Divina comedia son los siguientes:

• Cuenta con un canto, a manera de introducción.
• Está conformado por tres capítulos: el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso.
• Cada capítulo se encuentra dividido en treinta y tres cantos.
• En total la obra suma cien cantos.
• El infierno se encuentra conformado por nueve círculos.
• El purgatorio se encuentra conformado por nueve estancias, las cuales están divididas en: la antesala, las siete gradas y el paraíso terrenal.
• El paraíso se encuentra conformado por nueve esferas y el empíreo.
• La totalidad de los cantos que conforman el poema, están escritos en un tipo de verso creado por Alighieri, llamado terza rima, donde las estrofas están compuestas por tercetos endecasílabos de rima enlazada.

El autor organiza de esta manera La Divina comedia, porque en la época medieval los números poseían un valor simbólico. Por lo que, es necesario conocer que:

• El número tres representa la perfección divina y simboliza a la Santísima Trinidad.
• El número cuatro, hace referencia a los cuatro elementos: fuego, aire, agua y tierra.
• La sección siete, hace referencia a los pecados capitales.
• El número nueve representa la sabiduría y la búsqueda del bien.
• El número cien que representa la perfección.

Personajes principales

Básicamente los personajes principales de La Divina comedia son los siguientes:

• Dante, el poeta peregrino, que simboliza la condición humana.
• Virgilio, sabio poeta de la antigüedad, que simboliza la virtud y el raciocinio.
• Beatriz, el amor de Dante, que simboliza la fe.

En La Divina comedia también se hace referencia a otros personajes de la historia antigua, bíblica y mitológica. Así como a figuras representativas de la época.

Resumen de La Divina comedia

El Infierno

Dante y Virgilio llegan al río Aqueronte, donde se encuentran a Caronte, quien es el barquero infernal que se encarga de llevar las almas hasta la puerta del infierno.

Primer círculo (no bautizados)

Este primer círculo representa el limbo en el que se encuentran todas aquellas almas que, poseen una serie de virtudes, pero no fueron bautizados y por lo tanto, no conocieron a Cristo, entre ellos se encuentra el propio Virgilio.

Segundo círculo (lujuria)

Sitio reservado para quienes han cometido el pecado capital de la lujuria. Minos se encuentra en la entrada de este círculo, quien es el encargado de inspeccionar las almas y determinar su castigo. Aquí se encuentra una mujer perteneciente a la nobleza Italiana llamada Francesca Rímini, símbolo de adulterio y lujuria.

Tercer círculo (gula)

Sitio reservado para quienes han cometido el pecado capital de la gula. Aquí las almas se encuentran sufriendo en una especie de pantano infectado y donde cae lluvia helada. Se encuentran en este círculo: Cerbero y Ciacco.

Cuarto círculo (avaricia y prodigalidad)

Sitio reservado para quienes han cometido el pecado de la avaricia, las almas derrochadoras también se encuentran es este círculo. Instancia regida por Pluto, quien simboliza un demonio de la riqueza.

Quinto círculo (ira y pereza)

Sitio reservado para quienes han cometido pecados relacionados con la ira y la pereza. El barquero que lleva las almas a través de la laguna Estigia hasta la ciudad infernal de Dite, es Flegias, hijo del Dios Ares. Aquí se encuentra Felipe Argenti, quien es enemigo de Dante.

Sexto círculo (herejía)

En este círculo se colocan en manifiesto las furias de la torre de Dite y Medusa. Dante y Virgilio son socorridos por un ángel, quien les abre las puertas de la ciudad de los incrédulos. Aquí se encuentran a los nobles Farinatadegli Uberti y Cavalcante Cavalcanti.

Séptimo círculo (violencia)

Sitio reservado para los violentos y tiranos. En este círculo, el guardián está representado por un minotauro de Creta. Dante y Virgilio son guiados por el centauro Neso, atravesando un río de sangre. Esta etapa del infierno se encuentra dividida en tres aros, dependiendo de la gravedad del pecado: violentos contra Dios, violentos contra sí mismos y violentos con el prójimo.

Octavo círculo (fraude)

Este círculo se encuentra dividido en diez fosas, donde reciben castigo las cortesanas, los rufianes, los aduladores, los adivinos e impostores, corruptos, ladrones, hipócritas, alquimistas y falsificadores.

Noveno círculo (traición)

Sitio reservado para los traidores. Aquí los poetas se consiguen con los titanes y el gigante Anteo, quien los traslada al último abismo. Se encuentra dividido en cuatro fosas: traidores a los parientes, traidores a la patria, traición a sus comensales y traición a sus benefactores. En el centro del círculo se visualiza a Lucifer y, desde allí, pasan al siguiente hemisferio.

El Purgatorio

Es el lugar donde las almas se purifican de sus pecados cometidos, para que puedan aspirar a alcanzar el cielo. En esta parte del poema, llegan a las orillas de la isla del purgatorio, donde se encuentran a Catón de Útica, quien representa el guardián de las aguas y prepara las almas para su tránsito por el purgatorio.

Antepurgatorio

A su llegada al  purgatorio, el poeta se encuentra con el músico Casella, quien canta una canción de Dante. Posteriormente, Sordello da Goito, trovador italiano, le sirve de guía hasta los monarcas que deben purgar su ambición de poder y, entre los que se encuentran las casas reales de Bohemia, Aragón, de la Pulla, Sicilia, Francia y Provenza.

Durante la noche, mientras el poeta duerme, Lucía lo lleva hacia la puerta del purgatorio. Cuando despertó, el guardián colocó en su frente una inscripción con siete P, que hacen referencia a los siete pecados capitales, marcas que a medida que transcurra por las diferentes etapas se irán eliminando de su frente. Un ángel le abre las puertas con las llaves místicas del arrepentimiento y la conversión.

Primera grada (soberbia)

Primer círculo del purgatorio destinado para quienes incurran en el pecado de la soberbia. Para perder la primera letra P, Dante contempló ejemplos que hacían referencia a la humildad, como el pasaje de la Anunciación. También, contempló una serie de imágenes que se referían al orgullo, como los pasajes de la Torre de Babel.

Segunda grada (envidia)

Círculo destinado para aquellos que purgan la envidia. Aquí, contempla actos que han servido de ejemplo de virtud personificadas en la Virgen María, Jesús predicando el amor al prójimo y pasajes de la antigüedad.

Tercera grada (ira)

Círculo destinado para aquellos que purgan la ira. La finalidad de esta etapa es la de confirmar el amor como un principio de todo bien, por lo que, Virgilio le habla a Dante sobre la moral y reflexionan sobre el amor mal encaminado.

Cuarta grada (pereza)

Sitio reservado para aquellos que caen en el pecado de la pereza. Durante este recorrido, se aprecia una discusión sobre el libre albedrío y cómo se relaciona con los actos humanos buenos y malos, también se hace referencia a las consecuencias de la pereza.

Quinta grada (avaricia)

Círculo destinado para aquellos que purgan la avaricia. Los poetas visualizan ejemplos de la virtud de la generosidad. Además, se encuentran a Estacio, quien es un maestro y poeta latino.

Sexta grada (gula)

Sitio reservado para aquellos que caen en el pecado de la gula. Durante esta etapa, Estacio relata que gracias a las profecías de Virgilio llamadas IV Égloga, logró liberarse de la avaricia, pero este cambio lo realizó en silencio y esto lo condenó. Aquí también se encuentran con Foresto Donati, quien fue salvado por las oraciones de su esposa.

Séptima grada (lujuria)

Círculo destinado para los lujuriosos. Virgilio habla sobre la generación del cuerpo y la infusión del alma. Aprecian cómo los lujuriosos cantan a la castidad desde un círculo en llamas. Por su paso en esta grada, se encuentran con los poetas Guido Guinizelli y Arnaut Daniel. Posteriormente, un ángel anuncia a Dante que debe pasar a través de las llamas para entrar al paraíso terrenal.

El paraíso terrenal

Una virgen del Medioevo, llamada Matilde, le sirve de guía y le devela las maravillas del paraíso. El recorrido por el paraíso terrenal comienza en el río Leteo, donde se aprecia una procesión de los siete dones del Espíritu Santo. También, aparece Beatriz quien lo exhorta al arrepentimiento. Luego, Dante es sumergido en las aguas del Eunoe, para regenerarse.

El Paraíso

Esta etapa se encuentra dividida en nueve esferas, en donde las almas están distribuidas por la gracia alcanzada. Los poetas Virgilio y Dante se separan e inicia el camino con Beatriz hacia el empíreo, donde habita Dios.

Primera esfera, la Luna (espíritus que rompieron el voto de castidad)

La primera esfera es la Luna, que simboliza a todos aquellos que no cumplieron a los votos de castidad. Beatriz habla sobre la importancia de los votos ante Dios y además, explica qué es lo que debe hacer el alma para reparar la falta.

Segunda esfera, Mercurio (espíritus activos y benéficos)

Dante se encuentra con el espíritu del emperador Justiniano, quien le dice que en Mercurio se encuentran aquellos que aportaron grandes obras para la futuro. También, Beatriz relata la doctrina de la inmortalidad del alma y la resurrección.

Tercera esfera, Venus (espíritus amantes)

Venus es el sitio donde los amantes consiguieron dominar su pasión. Se encuentra con Carlos Martel, quien es el heredero del trono húngaro, y el cual expone dos casos de su propia familia. Posteriormente, Fulco de Marsella, indica los pecados de Florencia.

Cuarta esfera, el Sol (doctores en filosofía y teología)

En esta esfera se encuentran los doctores en filosofía y teología. Santo Tomás de Aquino, aparece y aclara la predominio de Adán y Jesucristo haciendo referencia a la sabiduría de Salomón. También, habla sobre San Francisco de Asís.

Quinta esfera, Marte (mártires)

Esta esfera está destinada a todos los mártires de la cristiandad. En este círculo, Beatriz empodera a los caídos durante las cruzadas y, el poeta Dante se encuentra con Cacciaguida, su antepasado y el cual predice el exilio de Dante.

Sexta esfera, Júpiter (gobernantes justos)

Esta esfera está destinada para todos aquellos gobernantes buenos. En este círculo, Dante se encuentra con grandes mandatarios de la historia, que fueron considerados justos, tal es el caso de Trajano.

Séptima esfera, Saturno (espíritus contemplativos)

Es la esfera donde descansan aquellos que tuvieron una vida contemplativa, mientras estuvieron en la Tierra. Dante se encuentra con San Damián, con quien mantiene una conversación sobre la doctrina de la predestinación, el monacato y los religiosos llenos de maldad. También, San Benedicto habla sobre su decepción referente al destino de su orden.

Octava esfera, estrellas (espíritus triunfantes)

Las estrellas de esta esfera, representan a la Iglesia militante. Se le aparecen Jesucristo y la Virgen María, a quien ve mientras se realiza su coronación. Beatriz solicita para su amado Dante el don del entendimiento. Antes de salir de esta esfera, Dante fue interrogado, primeramente por San Pedro referente a su fe, luego por Santiago, sobre la esperanza y por último, por San Juan, evangelista sobre el amor.

Novena  esfera, cristalino (jerarquías angélicas)

En esta esfera, Dante vislumbra la luz de Dios, el cual se encuentra rodeado por nueve anillos de cortes celestiales. Se describen a los ángeles según las enseñanzas de San Dionisio. Beatriz relata a Dante la similitud entre la creación y el mundo celeste.

El Empíreo (Dios, ángeles y beatos)

El recorrido de Dante llega a su fin en esta esfera, ya que es aquí cuando asciende hacia un lugar más allá del mundo físico. El poeta es revestido por una luz y Beatriz destaca una inusual belleza.  Dante observa una rosa mística, que representa el amor divino.

Beatriz ocupa un puesto al lado de Raquel. El poeta es guiado por el último tramo por San Bernardo. La Santísima trinidad se materializa en forma de tres círculos de igual tamaño. Posteriormente, Dante es iluminado y abre su entendimiento y al fin logra entender el misterio del amor divino.

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Se caracterizó por poseer un temperamento aguerrido, por mantener su convicción sobre la relevancia del arte como un canal para educar la conciencia popular a través de una amplia obra teórica.

Además, se destacó por ser el muralista más audaz a lo que se refiere a lo estético y a lo técnico, debido a que no se limitó al fresco. Siqueiros buscó innovar utilizando materiales no usados anteriormente como la fibra de vidrio y con la aplicación de técnicas como los escultomurales.

A continuación, te presentamos una mirada detallada a la espectacular vida y obra de David Alfaro Siqueiros, el muralista revolucionario que inspiró a toda una generación.

¿Quién fue David Alfaro Siqueiros?

José de Jesús Alfaro Siqueiros nació el 29 de diciembre de 1896. El propio pintor aseguraba haber nacido en Santa Rosalía de Camargo en el estado de Chihuahua, sin embargo, existe una documentación oficial que afirma que nació en la Ciudad de México. En 1920, su pareja para esa época, Graciela Amador, comenzó a llamarlo “David” y, desde entonces ha usado el apodo.

Su padre fue Cipriano Alfaro, un hombre de carácter estricto y con costumbres católicas muy conservadoras. Por lo que, debido a las muchas diferencias, José de Jesús decide irse a la Ciudad de México cuando contaba con 15 años de edad, con la intención de estudiar en la Escuela Nacional Preparatoria y además, tomar clases nocturnas de arte en la Academia de San Carlos.

Desde ese momento, el artista empezó a sentirse inconforme con el sistema, incluso participó en una protesta contra el plan de estudios de la escuela de artes.  En el año 1914, cuando tenía 17 años, se une al Movimiento Revolucionario Mexicano. Enlistándose en el ejército de Venustiano Carranza, quien era un personaje de la época apoyado por los políticos liberales e intelectuales y, quien otorgó a Siqueiros el rango de Capitán.

Esta incursión en el mundo revolucionario, lo llevó a conocer en su nivel más profundo a las clases trabajadoras del país. Así como los personajes ficticios culturales de cada región.

Sus obras están compuestas por trazos gruesos de color negro y una paleta de colores brillantes, logrando así expresar sentimientos intensos por medio de la unión entre la tradición mexicana y los elementos del surrealismo y el expresionismo europeo.

Sus comienzos en el muralismo

En 1919 viaja a Europa con la intención de reanudar sus estudios de arte. Durante este viaje, Siqueiros se dejó influenciar por los progresos de la época en cuanto al arte, tales como el dadaísmo, el cubismo, el fauvismo y las obras renacentistas.

El pintor Philip Stein, en su libro titulado Siqueiros: su vida y trabajos, señala que las obras que más impacto tuvieron sobre el artista fueron las realizadas por Paul Cézanne. También, hay que destacar que durante este viaje, mientras se encontraba en París conoció a Diego Rivera.

Posteriormente, regresa a México, donde José Vasconcelos, quien era el primer secretario de educación pública, le encarga junto con otros pintores, decorar los muros de la Escuela Nacional Preparatoria.

Su primer mural lo realizó entre los años 11922 y 1924, y lo tituló “Los elementos”. Esta es una composición cargada de energía, en la que usó una paleta de rojos y amarillos, que ya dejaban percibir lo que serían sus próximas obras. Sin embargo, esta pieza aún no expresaba las fuertes ideas políticas que luego caracterizarían su obra. Este primer mural se encuentra ubicado en el cubo de las escaleras y, fue la primera experiencia del artista con la perspectiva y el dinamismo.

Su paso por Estados Unidos

Las opiniones políticas de David Alfaro Siqueiros originaron que se estropeara la relación con José Vasconcelos y, esto causó que las comisiones se detuvieran. A partir de aquel momento, la convicción política fue su guía en la práctica artística, a pesar de que esto le llevó a ser arrestado y encarcelado en varias ocasiones.

En 1932 fue expulsado de México por un periodo de seis meses, por lo que decidió viaja a Los Ángeles, donde le fue encargado pintar un mural para el Distrito Histórico del Pueblo de Los Ángeles. Esta pieza debía poseer un aura de alegría, pero el mural que Siqueiros realizó tiene por personaje principal un indígena mexicano crucificado en una doble cruz con un águila americana sobre él, esta pieza la tituló “América tropical: oprimida y destrozada por los imperialismos”.

Esta obra originó mucha polémica, por lo que casi de inmediato fue revestida con pintura, no fue sino hasta el año 2012 que se organizó un proyecto para llevar a cabo la restauración del mural, el cual en la actualidad es el mural más antiguo de la ciudad de Los Ángeles.

Siqueiros Experimental Workshop

En el año 1936, el artista abre el Siqueiros Experimental Workshop, con sede en Nueva York, lugar donde experimentó con nuevas técnicas y enfoques. Entre los cuales se puede mencionar “el accidente pictórico”, el cual consiste en improvisar por medio de técnicas como el dripping, salpicaduras sobre los lienzos y el uso de texturas con materiales como la arena.

Esta técnica dejó una marca en las algunas de las figuras más emblemáticas del expresionismo abstracto, tal es el caso de Jackson Pollock, quien fue alumno de este taller. Aunque este taller tuvo un éxito considerable, Siqueiros decide cerrarlo para continuar con su próxima aventura, la cual consistía en combatir en la guerra civil española.

Durante la década de 1940, debido a sus múltiples desacuerdos con el gobierno, a causa de  sus ideales leninistas, pasó gran parte de este tiempo en exilio y en prisión. De esta época se destacan su estadía en Chile, donde realizó una serie de murales en una escuela de Santiago.

A pesar de esto, en la década siguiente de 1950, retoma los trabajos con conexiones gubernamentales, dando origen  a espectaculares murales en varios sitios de la Ciudad de México, tales como la Ciudad Universitaria, el Palacio de Bellas Artes y el Museo Nacional de Historia.

El Polyforum Siqueiros

Entre los años 1960 y 1964, David Alfaro Siqueiros fue nuevamente encarcelado, debido a su activismo a favor de los presos políticos. Sin embargo, estando en la prisión de Lecumberri creó el proyecto más ambicioso de su carrera y del muralismo a escala mundial.

Después de ser liberado, el empresario Manuel Suárez y Suárez le encarga la que sería una de las obras más importantes del arte mexicano en la actualidad, la pieza central del centro de convenciones Casino de la Selva en Cuernavaca, México. Para llevar a cabo esta obra, el artista creó un taller donde contaba con el espacio y las herramientas necesarias para ensamblar, movilizar y fabricar grandes paneles de cemento.

Después de dos años, el empresario instala este proyecto en la venida de los Insurgentes, la de mayor relevancia de la Ciudad de México, otorgándole al artista la oportunidad de desarrollar un espacio con alto sentido social, denominado el Polyforum Siqueiros.

Posteriormente, este sitio acogería el que es considerado el mural más grande del mundo, llamado “La marcha de la humanidad en América Latina hacia el cosmos. Miseria y ciencia” (1967 – 1971), esta obra cubre todos los muros de un foro que tiene forma octogonal.

Sus obras

1922-1924

• “Los elementos” (Pintado a la encáustica, en un techo abovedado de la Escuela Nacional Preparatoria). 
• “Entierro del obrero sacrificado”.
• “El llamado a la libertad” (fresco).

1932

• “Un mitin obrero” (Fresco sobre cemento armado. Pintado con aerógrafo. Chovinard School of Arts, Los Ángeles).
• “La América tropical” (Fresco sobre cemento armado. Plaza ArtCenter, Los Ángeles).
• “Retrato actual de México” (Residencia del director de cine estadounidense Dudley Murphy, Santa Bárbara, California, Estados Unidos, pintado al fresco en tres tableros de 16 m²).

1933

• “Ejercicio plástico” (Casa de campo de Natalio Botana, en Don Torcuato, cerca de Buenos Aires, Argentina. Pintado al fresco sobre cemento negro, con aerógrafo).

1939

• “Retrato de la burguesía” (Sindicato Mexicano de Electricistas, Antonio Caso 45, Ciudad de México. Piroxilina sobre aplanado de cemento aplicado con aerógrafo y brochas).

1941- 1942

• “Muerte al invasor” (Biblioteca de la Escuela México, en Chillán, Chile. Pintado a la piroxilina, sobre bastidores de masonite y celotex).

1943

• “Alegoría de la igualdad y confraternidad de las razas blanca y negra en Cuba” (Mural de 40 m², hoy destruido).
• “El nuevo día de la democracia” (Tablero móvil hecho para el Hotel Sevilla Baltimore de La Habana, Cuba. Hoy se encuentra en el Museo Nacional de Cuba. Pintado a la piroxilina sobre masonite).

1944

• “Cuauhtémoc contra el mito” (Concluido para una casa particular, de la señora Arenal, en la calle Sonora 9, en la Ciudad de México, y trasladado más tarde al edificio Tecpan, en Tlatelolco. Pintado a la piroxilina sobre tela, celotex y triplay).

1945

• “Nueva democracia, víctima de la guerra y víctima del fascismo” (Tablero central. Piroxilina sobre tela y celotex. Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México).

1945 – 1966

• “Patricios y patricidas” (Exaduana de Santo Domingo, República de Brasil 31, Ciudad de México).

1949

• “Monumento al capitán General Ignacio Allende” (Escuela de Bellas Artes del Exconvento de Santa Rosa, San Miguel Allende, Guanajuato).

1951

• “Cuauhtémoc redivivo y Tormento de Cuauhtémoc” (Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México).

1952

• “El hombre amo y no esclavo de la técnica” (Instituto Politécnico Nacional, Escuela Nacional de Ciencias Biológicas. Prolongación de la calle Manuel Carpio).

1953

• “Velocidad” (Fábrica Automex, avenida Lago Alberto 320, Ciudad de México).

1952 – 1954

• “Por una seguridad social y para todos los mexicanos” (Hospital de Zona No. 1 del Instituto Mexicano del Seguro Social (Hospital de La Raza), calzada Vallejo y avenida Insurgentes).

1952 – 1956

• “El pueblo a la universidad, la universidad al pueblo” (Ciudad Universitaria, Ciudad de México).
• “El derecho a la cultura” (Lado norte del mismo edificio).
• “Nuevo símbolo universitario”.

1953

• “Excomunión y fusilamiento de Hidalgo” (Universidad Nicolaíta, Morelia, Michoacán).

1958

• “Apología de la futura victoria de la ciencia médica sobre el cáncer” (Pabellón de Oncología del Centro Médico Nacional Siglo XXI, avenida Baja California y avenida Cuauhtémoc).

1957 – 1966

• “Del Porfiriato a la Revolución o La Revolución contra la dictadura porfirista” (Museo Nacional de Historia, Castillo de Chapultepec, Ciudad de México).

1958- 1959

• “El arte escénico en la vida social de México” (Vestíbulo del Teatro Jorge Negrete. Asociación Nacional de Actores, calle Altamirano 128).

1965- 1971

• “La marcha de la humanidad. Polyforum Cultural Siqueiros” (Insurgentes Sur y Filadelfia, antiguo Parque de la Lama).
• “Homenaje a Diego Rivera, José Clemente Orozco, José Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y Gerardo Murillo” (Compuesto por cinco retratos en el muro que une la avenida Insurgentes con la calle Filadelfia).

Características de su obra

Entre las principales características que se pueden apreciar en la obra de David Alfaro Siqueiros están:

• Dinamismo y movimiento.
• Uso de primeros planos.
• Predilección por los murales.
• Ruptura de la geometría estática.
• Poliangularidad.
• Monumentalidad.
• Bosquejo como elemento plástico – expresivo.
• Superficies recargadas.
• Coloración brillante.
• Desarrollo violento del volumen y trazo.

Aportes

Algunos de los aportes técnicos y plásticos más relevantes son los siguientes:

• Colaboración en la fotografía como un recurso de estudio visual.
• Experimentación de nuevos materiales (mosaicos, tela de vidrio, yute, cemento, acrílico, esmalte, cerámica, pinturas industriales, celotex, conglomerado de madera).
• Indagación de espacios no convencionales (paradas de transporte público, interior de las escaleras).
• Desarrollo de nuevas técnicas (pintura escultórica).

Sus últimos días

Durante sus últimos días de vida, David Alfaro Siqueiros, siempre pensando en el aspecto público de su obra, decidió que su taller ubicado en Cuernavaca y su residencia en el barrio de Polanco, fueran convertidas en centros para la experimentación y difusión del arte.

Actualmente este legado del artista es conocido como Sala de Arte Público Siqueiros y La Tallera. Estos lugares mantienen su espíritu innovador y el compromiso que siempre sintió con la democratización de las artes.

David Alfaro Siqueiros muere el 6 de enero de 1974, en Cuernavaca, Morelos, mientras se encontraba acompañado por Angélica Arenal Bastar, quien fue su inseparable compañera desde la época de la Guerra Civil Española. Sus restos fueron sepultados en la Rotonda de las Personas Ilustres.

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Se destacó por su monumentalidad del lenguaje expresivo y de los rasgos plásticos. Sus murales, pinturas, dibujos y acuarelas, enfocaron la transformación política y social de la época.

Sus obras se pueden apreciar en los edificios más representativos de México, por lo que es considerado un artista de fama universal. A continuación, te presentamos en detalle los aspectos más relevantes de la vida y obra de José Clemente Orozco.

¿Quién fue José Clemente Orozco?

José Clemente Ángel Orozco Flores nació en México el 23 de noviembre de 1883, en Zapotlán el Grande, actualmente conocido como Ciudad Guzmán. A la edad de dos años se traslada junto con su familia a Guadalajara y, posteriormente, a la Ciudad de México cuando contaba con siete años.

Desde muy pequeño comenzó a interesarse por el arte, en especial en la pintura. Esta inquietud se dio cuando cerca de donde vivía colocaron una imprenta donde se hacían los trabajos de José Guadalupe Posada.

Al regresar de la escuela, observaba a Posada pintar, por lo que, sin intención, esas se convirtieron en sus primeras clases de color. Esto lo llevó a inscribirse en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, donde asistía a clases de dibujo en el horario nocturno.

Cuando contaba con tan solo 14 años, fue enviado a estudiar en la Escuela Nacional de Agricultura, ubicada en San Jacinto. A través de este conocimiento que adquirió, logró conseguir algunos ahorros dedicándose a dibujar mapas topográficos.

Pasó por una época de indecisión, en la que no lograba definir si continuar desempeñándose como ingeniero agrónomo o desarrollar sus dotes artísticas. No fue sino hasta el año de 1909, que siguió sus instintos y decide dedicarse por entero a la pintura.

Sus inicios como artista

Entre los años 1911 y 1916 hizo algunas publicaciones como caricaturista y basándose en los barrios más pobres de la Ciudad de México, realizó una serie de acuarelas. Desde sus inicios en el arte de la pintura demostró su originalidad en todo lo que realizaba, todo esto unido a la tendencia expresionista. En sus comienzos, también realizó litografías de la vida indígena en pinturas murales.

Contrajo matrimonio con Margarita Valladares, con la cual tuvo tres hijos. Su primera exposición fue en el año 1916 y tuvo lugar en la librería Biblos, de la Ciudad de México. En 1922, Orozco se une a Siqueiros y Rivera, formando juntos el Sindicato de pintores y escultores. La intención de este sindicato, era la de tratar de recuperar el arte mural bajo la protección y financiamiento del gobierno.

Participación en el movimiento muralista mexicano

Este movimiento se encargó de abarrotar la ciudad de una serie de obras con instinto nacionalista, popular y didáctico, que procuraban colocar en práctica el arte de la calle, enfocándolo al servicio de una ideología de izquierda.

Después de un tiempo, José Clemente Orozco, decidió no insistir en los valores nacionales y se basó en valores más universales de la condición humana, visualizando sus retratos de una manera apolítica.

Sin embargo, no abandonó por completo el aspecto indígena y precolombino en sus obras. Solo amplió sus intereses hacia la condición humana, haciendo referencia a su relación con la tierra, la religión o la guerra.

En el año 1926 culmina su primera obra en los murales de San Ildelfonso, la cual dejó inconclusa para encargarse de otros trabajos como el de la Casa de los Azulejos, titulado “Omniescencia” (1925) y en la Escuela Industrial de Orizaba con “Reconstrucción”.

Entre los años 1927 y 1934, se traslada a Estados Unidos donde realiza obras enfocadas en la deshumanización que se encuentra en las grandes ciudades. Durante esta etapa realizó una de sus más destacadas obras titulada “Prometeo” (1930), en el Frary Hall, del Pomona College, en Claremont.

Estilo e influencias

Desde los inicios de su carrera como pintor, José Clemente Orozco mostró un interés particular por los temas de índole social. Durante las primeras etapas, esta inquietud fue representada por obras que hacían referencia a la cotidianidad del mundo subalterno, bares y cabarets.

Entre sus temas favoritos, se encontraban la historia de México, la historia precolombina y la crítica al mundo contemporáneo. También, mostró interés por el tema indígena, pero lo evadió al percatarse que este formaba parte del conflicto histórico de México.

La mayoría de los personajes principales de sus obras, eran por lo general solemnes y robustos. Predominan los personajes de género masculino.

Se resistió a seguir los clásicos modelos occidentales y mostró interés por el modelo de la estética indígena. Otra característica relevante es el uso del gigantismo y la monumentalidad en sus obras.

En sus obras destacó el uso de la geometría de las figuras. Utilizó coloración incendiada, la cual caracteriza la fuerza expresionista. Orozco usó el claroscuro como recurso dramático y además, en sus obras se puede observar grandes diagonales en composiciones grupales.

Algunos trabajos destacados

Destacan sus trabajos ejecutados en la Ciudad de Nueva York, específicamente en Hannover, New Hampshire y, posteriormente pintó para el Museo de Arte Moderno de esta ciudad.

Cuando decide regresar a su país natal, ya era poseedor de una fama considerable a nivel mundial. En 1934 pinta una de sus obras más conocidas llamada “Katharsis”, en el Palacio de Bellas Artes, esta pintura se encuentra ubicada justo frente a la obra de Diego Rivera titulada “El hombre en la encrucijada”.

En 1941 realiza su pintura titulada “Las riquezas nacionales”, la cual se encuentra en la Suprema Corte de Justicia. Esta obra está compuesta por cuatro tableros y está enfocada en tres temas principales: primeramente la justicia, la cual critica y se burla de su práctica; las riquezas nacionales. Destacando los productos de la tierra, metales preciosos y el petróleo, elementos que se encuentran bajo la protección de la bandera mexicana y del jaguar como símbolo nacional. Por último, el tema del movimiento social obrero.

Para el año 1946, se le otorga el Premio Nacional de Bellas Artes. Durante ese mismo año realiza obras en los muros del Paraninfo de la Universidad de Guadalajara, la escalera del Palacio de Gobierno y el Hospicio Cabañas.

En 1947 lleva a cabo su primer trabajo en exterior, el cual lleva por nombre “El pueblo se acerca a las puertas de la escuela”, ubicada en la Escuela Nacional de Maestros.

Obras de José Clemente Orozco

Las obras de José Clemente Orozco, se caracterizan por ser prolíficas. La mayoría de sus trabajos se complementan con el espacio arquitectónico, lo que ha originado que estas obras sean divididas por escenas para conseguir ser estudiadas y difundidas. Algunas de sus principales son:

• “Mujeres bailando” (1913), acuarela sobre papel ubicada en la Colección Andrés Blaisten, en México.
• “Combate” (1920).
• “Omnisciencia” (1925), fresco ubicado en la Casa de los Azulejos, en México.
• “Cortés y la Malinche” (1026), fresco ubicado en el antiguo Colegio de San Ildefonso.
• “Las Trincheras” (1926), fresco ubicado en el antiguo Colegio de San Ildefonso.
• “Prometeo” (1930), fresco ubicado en la Pomona College Museum of Arte, en California.
• “Dioses del mundo moderno” (1932 – 1934), fresco perteneciente a la serie “La épica de la civilización americana”, ubicado en Darmount College, en Estados Unidos.
• “Katharsis” (1934 – 1935), fresco sobre bastidor metálico transportable, ubicado en el Palacio de Bellas Artes, en el D.F. México.
• “El hombre creador y rebelde” (1935 – 1937), fresco ubicado en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA), en México.
• “El hombre en llamas”  (1939), ubicado en el Hospicio Cabañas en Guadalajara, Jalisco, México.
• “Cristo destruye su cruz” (1943).
• “Indias” (1947), de la serie “los teules”, en la que se usa como técnica la piroxilina sobre masonite.
• “Resurrección de Lázaro” (1947), obra en caballete que se encuentra en el Museo de Arte Carrillo, en México D.F.
• “Homenaje a Benito Juárez” (1948), mural ubicado en el Castillo de Chapultepec, en México D.F.

Análisis general de sus obras

José Clemente Orozco siempre mantuvo presente en todas sus obras la clara voluntad de ser un artista plástico de la revolución. Sus pinturas monumentales poseen un carácter dramático en su contenido.

Entre los temas de preferencia que abordó el artista se encuentran aquellos que hacen referencia a sucesos históricos, sociales y políticos experimentados en el país, enfocados desde su perspectiva crítica de desilusión y de izquierda.

Su estilo, la forma de su trazo, la paleta y la composición de sus pinturas dejan entrever una expresividad violenta y dolorosa. Sus obras pueden definirse como un realismo cruelmente expresionista, que a lo mejor se debe a la influencia parisina, aunque siempre hubo rechazo de su parte por las vanguardias del viejo mundo.

Entre sus primeros trabajos, se logra apreciar una conexión, aunque no una visible influencia, con las obras del gran pintor de origen francés Toulouse – Lautrec, ya que Orozco también realizó una pintura popular llamada “El gran público”, otra similitud es que ambos seleccionaron como tema principal y plasmaron en sus lienzos el ambiente reflejado en los cabarets y bares de la época.

Composiciones artísticas

Sus grandes composiciones expresan una rigidez geométrica y el hieratismo de la mayoría de sus personajes, lo que nos lleva a algunas representaciones del arte precolombino.

Tomemos en cuenta que el grupo de los tres, como eran conocidos Orozco, Siqueiros y Rivera, eran defensores de las formas del arte azteca y de la cultura maya, lo cual pasó a ser una característica fundamental en los trabajos artísticos de los pintores.

Colores y tamaños

El uso de colores llamativos y su gigantismo, hacen referencia a una lucha constante y a unas necesidades que en ese momento parecían exóticas, según los argumentos europeos. El arte de José Clemente Orozco, era una forma de servir al pueblo, expresando su innovadora interpretación de la historia, en unos murales de indiscutible vigor expresivo.

El trabajo y las líneas creativas del artista ponen en relieve momentos importantes de la historia de México, mediante la utilización de trazos afligidos de luces y sombras.

Técnicas novedosas

En sus últimos trabajos, se puede evidenciar su deseo de innovar mediante el uso de nuevas técnicas. Aparte de sus obras representadas en murales, Orozco dejó una serie de lienzos de caballete, en los cuales se logra apreciar la soltura y la perfección de su técnica, mediante la utilización de pinceladas amplias y prolongadas. Sus lienzos dan la sensación de poseer una armonía de tonos oscuros y sombríos, mientras que en otras oportunidades su paleta se inclina por un colorido brillante y de carácter explosivo.

Sus últimos años

Durante sus últimos años, los trabajos realizados por José Clemente Orozco poseen una pretensión innovadora, en los que experimenta con nuevas técnicas. Un ejemplo de esta época es la obra titulada “La alegoría nacional”, mural en que usó segmentos metálicos empotrados en hormigón.

 Aunque los tonos utilizados por Orozco, nunca fueron tan coloridos, sus grises y negros tenían presente el rojo como color impactante. De la misma manera en algunas de sus obras, las líneas diagonales marcan el movimiento.

Durante los años que comprendieron 1941 y 1944, decide dedicarse a la pintura de caballete y también. En esta época realiza una obra titulada “Apocalipsis”, ubicada en la bóveda y los muros del coro de la antigua Iglesia de Jesús Nazareno.

En el año 1945 publica su autobiografía, en la cual se logra evidenciar el cansancio por una lucha política que en varias ocasiones fue desertada. Su desesperanza por los últimos momentos vividos y el inevitable transcurrir de los años, todos estos aspectos son concretados en este escrito realizado con un carácter cínico rodeado de decepción y pesimismo.

José Clemente Orozco muere el 7 de septiembre de 1949, en la Ciudad de México, a consecuencia de un paro cardiaco, mientras se encontraba realizando los primeros trazos de un mural. Debido a su labor fundamental como artista y al gran aporte que otorgó a la pintura nacional mexicana, el presidente Miguel Alemán, dio la orden de que sus restos fueran sepultados en el Panteón de los Hombres Ilustres.

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